tag:blogger.com,1999:blog-83581271830282978682024-03-13T11:30:24.487-07:00Liberarte en el artesol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.comBlogger14125tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-26931422063394180312011-05-03T10:49:00.000-07:002011-05-03T10:50:42.873-07:00ARTE POSTMODERNO O NEOEXPRESIONISMO: Baselitz, Immendorff, Garcés y Salle.<div class="MsoNormal"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span></span>Surgida tanto en Europa como en Estados Unidos desde mediados de los años 70,</span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span lang="ES-TRAD"> enmarca diversos movimientos como son las transvanguardia italiana, el neoexpresionismo alemán, etc. <span class="apple-style-span">En un primer momento, el expresionismo, el cubismo, y todas las vanguardias, tuvieron que enfrentarse a un público hostil y reacio. Pero tras la primera mitad de siglo, estos movimientos revolucionarios ganaron prestigio social y fueron admitidos en las academias. Es lo que conocemos como el triunfo de la modernidad. A partir de entonces, comenzó a considerarse la modernidad como un fenómeno perteneciente al pasado y este sentimiento es lo que se ha llamado Postmodernidad.</span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span lang="ES-TRAD">Se caracteriza por su oposición al proyecto del arte moderno visto como una evolución, como un reflejo de la sociedad que lo envuelve y lo genera; rechazan principalmente el principio programático del arte de vanguardia de principios de siglo XX. Suelen ser obras figurativas, aunque sin rechazar el abstracto, con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario. Los artistas postmodernos recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los movimientos artísticos inmediatamente anteriores a ellos. Así mismo mezclan imágenes del arte tradicional con el cómic, el graffiti, imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas. Hay que remarcar que dentro del arte postmoderno hay una gran variedad estilística y conceptual.</span></span><br />
<span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<div style="text-align: center;"><span lang="ES-TRAD"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">David Salle</span></u></span></div><div style="text-align: center;"><span lang="ES-TRAD"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbiWLkFKbaonJYJjTPpAq7JnvPVcXnBfvH706g-84GMaHZz6VlCdWGMtxINU2_JzgjHaT_510HGng7W7N7zCDtnHAnfYqbkaWFJTWZEuBjS5MtFWtYqc_7wUlVYYL0k61UTT5gzCpd0Ss/s1600/165806.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbiWLkFKbaonJYJjTPpAq7JnvPVcXnBfvH706g-84GMaHZz6VlCdWGMtxINU2_JzgjHaT_510HGng7W7N7zCDtnHAnfYqbkaWFJTWZEuBjS5MtFWtYqc_7wUlVYYL0k61UTT5gzCpd0Ss/s400/165806.jpg" width="400" /></span></a></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">David Salle</span></span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">(Norman,</span></span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">Oklahoma,</span></span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">1952) es un</span></span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">pintor</span></span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">estaunidense. </span></span><span lang="ES-TRAD">Salle estudió en el</span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span lang="ES-TRAD">California Institute of the Arts, donde fue alumno de</span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span lang="ES-TRAD">John Baldessari; aquí empezó a utilizar en su pintura técnicas cinematográficas como el montaje y la pantalla dividida. Tras terminar sus estudios, se trasladó a</span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span lang="ES-TRAD">Nueva York, donde vive y trabaja, y donde ha cosechado un enorme éxito de crítica y público.</span></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">Se le ha adscrito a diversas tendencias del</span></span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">arte postmoderno norteamericano, como el</span></span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">Neoexpresionismo, el</span></span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">Simulacionismo, el</span></span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">Bad painting</span></span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">o la</span></span><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">New Image Painting.</span></span><span lang="ES-TRAD"><o:p></o:p></span></span></div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"></span><br />
<div style="text-align: center;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">Uno de sus primeros trabajos, en una revista pornográfica, supondrá una de sus más recurrentes fuentes de inspiración, el erotismo, imágenes de mujeres desnudas tratadas de forma realista, sin pudor. Tras algunas instalaciones y</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">performances</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">, hacia</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">1979<span class="apple-converted-space"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">se decanta por unas pinturas realizadas a partir de imágenes superpuestas, mezclando técnicas y estilos: Salle utiliza indistintamente la imagen, el</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">vídeo</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">, el</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">cine</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">, el</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">diseño<span class="apple-converted-space"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">y la</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">moda</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span lang="ES-TRAD">;</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD"> cuadros de gran tamaño, recurriendo a menudo al formato en</span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">dípticos</span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">y</span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-converted-space"><span lang="ES-TRAD"> </span></span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD">trípticos. A menudo crea una disposición teatral en la situación de los motivos, la ambientación y la iluminación de las escenas. Suele emplear técnicas mixtas con objetos tridimensionales, como mesas, telas estampadas y botellas.</span></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span lang="ES-TRAD"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span lang="ES-TRAD"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Antigua Botellas</span></u></span></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span lang="ES-TRAD"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></span></span></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfdV4tYpwXev7B99ybfDIm-Y5VpsviAwuglXO_lmUdt6HmLuIEkpgKuDpfJVQG_mXBl8pJ0H9L37X5y1FNNP3yrE9plWthxCm0kCwuFLJ_IrI-Yx5Qz2PPYQuj1IkOuD_ZqamQa4DjOok/s1600/david-salle-old-bottles.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="297" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfdV4tYpwXev7B99ybfDIm-Y5VpsviAwuglXO_lmUdt6HmLuIEkpgKuDpfJVQG_mXBl8pJ0H9L37X5y1FNNP3yrE9plWthxCm0kCwuFLJ_IrI-Yx5Qz2PPYQuj1IkOuD_ZqamQa4DjOok/s400/david-salle-old-bottles.jpg" width="400" /></a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span lang="ES-TRAD"><span class="Apple-style-span" style="border-collapse: collapse; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"></span></span></div><h3 class="canvas" style="font-weight: normal; margin-bottom: 5px; margin-left: 7px; margin-right: 15px; margin-top: 0px; padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; padding-top: 0px; text-decoration: none; text-transform: none;"></h3><h3 class="canvas" style="font-weight: normal; margin-bottom: 5px; margin-left: 7px; margin-right: 15px; margin-top: 0px; padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; padding-top: 0px; text-decoration: none; text-transform: none;"><span lang="ES-TRAD"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;">Óleo y acrílico sobre lienzo.La característica principal del estilo de David Salle es la yuxtaposición de imágenes, una superposición desorganizada e incoherente de imágenes provenientes tanto de la Historia del Arte como del diseño, la publicidad, los medios de comunicación, el cómic, la cultura popular, etc. En esta imagen vemos la inserción de signos de variada procedencia, recordando frecuentemente el graffiti. Vémos que su imagen tiene un cierto aire ingenuo, torpe, está expresamente mal pintada, con fallos de composición y estructura; pero es parte del proyecto de Salle, dar una visión de conjunto a través de la superposición de imágenes, reflejo de un estilo artístico irónico y autocrítico.</span></span></h3><div><span lang="ES-TRAD"><span class="painting"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: transparent; background-image: initial; background-origin: initial; border-bottom-width: 0px; border-color: initial; border-left-width: 0px; border-right-width: 0px; border-style: initial; border-top-width: 0px; display: inline; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; outline-color: initial; outline-style: initial; outline-width: 0px; padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; padding-top: 0px; vertical-align: baseline;"><span style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: #e6ecf9; background-image: initial; background-origin: initial; border-bottom-width: 0px; border-color: initial; border-left-width: 0px; border-right-width: 0px; border-style: initial; border-top-width: 0px; display: inline; font-family: Times, 'Times New Roman', serif; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; outline-color: initial; outline-style: initial; outline-width: 0px; padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; padding-top: 0px; vertical-align: baseline;"><br />
</span></span></span></span></div><br />
<div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><span class="apple-style-span"><span lang="ES-TRAD"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></span></span></span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">FUENTES:</span></u><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_postmoderno"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_postmoderno</span></a><br />
<a href="http://www.arteespana.com/postmodernidad.htm"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://www.arteespana.com/postmodernidad.htm</span></a><br />
<a href="http://celestecontratti.blogspot.com/2010/04/la-imagen-que-hace-la-cosa.html"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://celestecontratti.blogspot.com/2010/04/la-imagen-que-hace-la-cosa.html</span></a><br />
<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/David_Salle"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://es.wikipedia.org/wiki/David_Salle</span></a><br />
<a href="http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/david_salle.htm"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://www.saatchi-gallery.co.uk/artists/david_salle.htm</span></a><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Material aportado por el docente.</span>sol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-28098019771747860682011-05-03T10:48:00.000-07:002011-05-03T11:20:33.638-07:00HIPERREALISMO: Dager, Don Hedí y Pomidoro.<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía.El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense. El arte pop es el percusor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.<span class="apple-style-span">Pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes.</span><span class="apple-converted-space"> </span></span><br />
<div><span class="apple-converted-space" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"></span><br />
<div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía.</span><span class="apple-converted-space"> </span><br />
<br />
<span class="apple-style-span">En América del Norte, donde el pop art había arelado profundamente, el</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">hiperrealismo</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">se trabajaba a partir de la reproducción pintada de los objetos de consumo y de las imágenes publicitarias correspondientes. En esta línea encontramos la reproducción manual de fotografías, lo que constituye la esencia del</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">hiperrealismo</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">americano. Check y Don Eddy nos ofrecen en sus imágenes aquellos aspectos aburridos característicos de la civilización de masas con la misma objetividad de una cámara fotográfica que funciona mecánicamente. De hecho, transfieren a la plástica vivencias adquiridas en la cultura de la imagen.</span><br />
<br />
<span class="apple-style-span">En Europa, en cambio, el</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">hiperrealismo</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">no suele tener connotaciones del pop art y se impregna de un lirismo casi surrealista. La obra de Antonio López es el exponente más genial de esta versión del</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">hiperrealismo.</span></span></div><div><span class="apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div style="text-align: center;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Jorge Dager</span></u></div><div style="text-align: center;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidZN8un7EyRS7dT3pXKNv4xSYYKJi1jiS5YMHn0lPNuYzSL3Hd9gof00AlVKpn1frh1zA5_NKyKQ2Qv74maroEa51u_tmNPoxIfsVHO-E01fKYycOyhyphenhyphenRHE8oPv0aDaNp5pal4tky6g1g/s1600/Dager1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><img border="0" height="291" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidZN8un7EyRS7dT3pXKNv4xSYYKJi1jiS5YMHn0lPNuYzSL3Hd9gof00AlVKpn1frh1zA5_NKyKQ2Qv74maroEa51u_tmNPoxIfsVHO-E01fKYycOyhyphenhyphenRHE8oPv0aDaNp5pal4tky6g1g/s400/Dager1.jpg" width="400" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">Un acercamiento a la obra de Jorge Dáger nos remite a lo originario del hombre y su entorno: la Naturaleza. En varias entrevistas el artista ha definido su trabajo: –</span><em>Como me gusta la realidad, pinto la realidad</em><span class="apple-style-span">–. Su pintura está empapada de realismo y, sobre todo, de ancha y generosa terredad, de obsequiosa pulpa frutal que remueve los sentidos y las emociones de una manera plena y total.</span></span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">Ya en la primera individual de Jorge Dáger,</span><span class="apple-converted-space"> </span><em>Natura Morta: Hiper-realización del objeto</em><span class="apple-style-span">, en 1994, la crítico de arte Milagros Bello hablaba de una refundación del concepto de la naturaleza muerta con un reenfoque del objeto pictórico. Desde entonces el artista ha insistido en el género, evolucionando con sentido crítico, rigor y exigencia personal, confiesa: –</span><i>Cuando sienta que mis cuadros están perfectos es porque </i>estoy estancado, y eso me asusta<span class="apple-style-span">–.</span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Encuentro en la propuesta de Dáger una cierta parentela espiritual con la de algunos creadores del Arte Iberoamericano porque tiene un registro físico visual de lo mestizo y de lo criollo. Como en la pintora Ana Mercedes Hoyos, en una etapa de su producción artística, realiza coloridos bodegones a partir de platones de fruto fresco, telas que profundizan la negritud femenina de la costa de Cartagena.<br />
Jorge Dáger capta y captura en sus bodegones una “hiper visualidad directa y fundamental” como escribió Milagros Bello. Su pintura a base de ángulos forzados, close-up o enfoques macro, está resuelta a base de luces y de sombras tajantes con sugerentes y enfáticos signos de puntuación. Él capta y captura sus conceptos, confiriendo otro sentido a lo literal visual en el formato engrandecido. Los bodegones de Dáger son tropos del trópico, metáforas visuales del equinoccio, sus presencias festivas y celebratorias son una morada. Pueden ser a la vez una llamada y una alerta que invita a preservar el legado ambiental y cultural que es nuestro.</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Vidrios azules</span></u></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaSNCUnvY5ztiRCX5MVRSv9RAV9djBvsiTOIYVVUaGTJdFnase_EZ7WGBtJP4A076CDahlV2Qoy-Uru0_XsEf5h6aM8hsDcmWijCFxNge7W72FGQl4wiI08C46L_s7JVJ-OIJCykWWmSk/s1600/vidrios_azules01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><img border="0" height="302" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiaSNCUnvY5ztiRCX5MVRSv9RAV9djBvsiTOIYVVUaGTJdFnase_EZ7WGBtJP4A076CDahlV2Qoy-Uru0_XsEf5h6aM8hsDcmWijCFxNge7W72FGQl4wiI08C46L_s7JVJ-OIJCykWWmSk/s400/vidrios_azules01.jpg" width="400" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Anteriores y próximas al estilo de la escuela impresionista moderna, han encontrado estudiosos del arte ciertas decoraciones murales pompeyanas que, representan plantas, frutos y enseres de mesa, con la delicada gracia y fantasía del dibujo y los contrastes de colores y luces.</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">Los objetos figuraban en la pintura medioeval porque tenían un sentido. En las</span><span class="apple-converted-space"> </span><em>vanitas</em><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">o</span><em>vanidades</em><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">los objetos representados eran</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/S%C3%ADmbolo" title="Símbolo"><span style="text-decoration: none;">símbolos</span></a></span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">de lo breve y finito de la vida: un recordatorio y una advertencia acerca de la relatividad del conocimiento, la ciencia, la riqueza, el goce de los placeres y de la belleza. La fruta pasada, era la decadencia; las burbujas, la brevedad de la vida y, los instrumentos musicales, la naturaleza efímera de la existencia. En el arte europeo, estos bodegones moralizantes se hicieron inseparables de la devoción de católicos y protestante</span>s.<span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">Pone la fruta en el tope de la plenitud y le confiere presencia con atributos de sacralidad cósmica o hierofanía.</span><br />
<span class="apple-style-span">El compositor popular sucrense Luis Mariano Rivera cantó al mango como “muy nuestro”, ese mango que crece espontáneamente en la zona intertropical americana, vino de la India, los portugueses lo llevaron al Brasil y navegado llegó a Venezuela a través de Trinidad... Ese fruto, Jorge Dáger lo celebra, celebra el mango que la muchachada derriba del árbol, recoge del camino para devorarlo con fruición espontánea, en cualquier hora de solaz. Celebra así mismo la feria de colores, luces, texturas frutales, aromas y sabores de América como parchitas, limones, naranjas, lechozas, peras, ciruelas, caimitos,… cada uno de estos frutos, “sus frutos” tienen algo que contar.</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u><br />
</u></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u>FUENTES</u>:</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div><a href="http://www.artelista.com/hiperrealismo.html"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://www.artelista.com/hiperrealismo.html</span></a></div><div><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://es.wikipedia.org/wiki/Hiperrealismo</span></a></div><div><a href="http://jorgedager.com/estudios.html"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://jorgedager.com/estudios.html</span></a></div><div><a href="http://ar.dir.groups.yahoo.com/group/amigasenpinturadecorativaenlaweb/message/2134"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://ar.dir.groups.yahoo.com/group/amigasenpinturadecorativaenlaweb/message/2134</span></a></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Material dado por el docente</span></div><div><br />
</div></div>sol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-6804292698947789872011-05-02T19:54:00.000-07:002011-05-03T11:19:16.865-07:00ARTE ÓPTICO: Vasarely, Kitaoka y Riley.<div style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span style="font-size: small;">El Op-Art, o Arte Óptico fue un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en el año 1958.</span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">El término Op- Art se acuñó por un articulo publicado en 1964 por la revista Time, sobre un grupo de artistas que pretendían crear ilusiones ópticas en sus obras. Después de esto el termino se adoptó como el nombre oficial de este movimiento.</span></div><div style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span lang="ES-TRAD" style="font-size: small;"> Es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. El arte óptico se caracteriza por varios aspectos: - la ausencia total del movimiento real, todas sus obras son físicamente estáticas, lo cual lo diferencia del Arte Cinético. Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación.</span></div><div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"><br />
</span></div><div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;">Usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o dicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos. Usa también figuras geométricas simples, como rectángulos, triángulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. El observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente. Se usa el acrílico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. El artista del Arte Óptico no pretende </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;">plasmar en su obras sensaciones o situaciones, no existe ningún aspecto emocional en la obra.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><br />
</span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u>Bridget Riley</u></span></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0umFqnU9cKlPQ_bOTotupAMD16BTsiuBi97xjLmlcpqvDogk2b-hb40J1MAdEkQPryBZMmVupn0vc22_K1MCtHSm2QJRLkrZlFWOI55gxrxHyZUjc4hhjKdb34owvEFWbbnqAtKJqpDs/s1600/bridget-riley.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0umFqnU9cKlPQ_bOTotupAMD16BTsiuBi97xjLmlcpqvDogk2b-hb40J1MAdEkQPryBZMmVupn0vc22_K1MCtHSm2QJRLkrZlFWOI55gxrxHyZUjc4hhjKdb34owvEFWbbnqAtKJqpDs/s400/bridget-riley.jpg" width="400" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div style="line-height: 18pt; margin: 4.8pt 0cm 6pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Bridget Riley (nacida en<span class="apple-converted-space"> </span>Londres,<span class="apple-converted-space"> </span>Reino Unido, Bridget Riley (1931- ), pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos.<o:p></o:p></span></div><div style="line-height: 18pt; margin: 4.8pt 0cm 6pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat, ya que el pintor Maurice de Sausmarez, gran admirador de la obra de Riley, a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970), la persuadió para estudiarlo. Sin embargo, Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960, celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos, como la que organizó en 1971 la Galería Hayward.<o:p></o:p></span></div><div style="line-height: 18pt; margin: 4.8pt 0cm 6pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965. En su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento, tal y como puede apreciarse en La Caída (1963, Londres). A finales de la década de 1960 Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse, por ejemplo, en las series de pinturas que realizó en 1980 tras un viaje a Egipto.<o:p></o:p></span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">La importancia de Riley se debe, sobre todo, a su contribución al desarrollo del Op Art. Además de influir en el trabajo de artistas de otros países, tuvo diferentes ayudantes que completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones. Este hecho hace hincapié en que, al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX, el elemento conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad individual de su ejecución. </span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="color: black;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u><br />
</u></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u>Blaze </u></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u><br />
</u></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1saOgY0VkP1girA2JvOuPgbLXB3Ty2oLrLlS9KCVN61-SfHoG81JTDmvQSl38lW8Jfs0iGqLcsThcMYHtsUlncTSIaMsqz_TOK7AeP18VNwFJDPFf7wUVLFFCvFszcg1K7Fzf-ySNV0Y/s1600/Bridget_Riley_Blaze_1_1962_Emulsion_on_Hardboard_43x43.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="397" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1saOgY0VkP1girA2JvOuPgbLXB3Ty2oLrLlS9KCVN61-SfHoG81JTDmvQSl38lW8Jfs0iGqLcsThcMYHtsUlncTSIaMsqz_TOK7AeP18VNwFJDPFf7wUVLFFCvFszcg1K7Fzf-ySNV0Y/s400/Bridget_Riley_Blaze_1_1962_Emulsion_on_Hardboard_43x43.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">Vemos como Riley adopta el Op Art en esta pintura. Utiliza <span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; line-height: 24px;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; line-height: 24px;">formas geométricas (</span>lineas) en diferentes direcciones <span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; line-height: 24px;">, sutilmente diferentes en tamaño</span> , que conforman un circulo - remolino en el cual el ojo se pierde(característica del Arte Óptico, le da sentido de movimiento). El color, como en sus principios, se mantiene entre el blanco y el negro.</div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><br />
</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><br />
</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><br />
</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><u><br />
</u></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><u>FUENTES:</u></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><br />
</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Op-art">http://es.wikipedia.org/wiki/Op-art</a></span></div><div><a href="http://www.imageandart.com/tutoriales/historia_arte/cinetico.html">http://www.imageandart.com/tutoriales/historia_arte/cinetico.html</a></div><div><a href="http://www.diversica.com/cultura/archivos/2007/01/arte-optico.php">http://www.diversica.com/cultura/archivos/2007/01/arte-optico.php</a></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Bridget_Riley">http://es.wikipedia.org/wiki/Bridget_Riley</a></span></div><div>Material aportado por el docente.</div><div><span class="Apple-style-span" style="font-size: 16px;"><br />
</span></div><div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"><br />
</span></div>sol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-80038139966854120412011-05-02T19:51:00.000-07:002011-05-03T10:45:56.761-07:00POP ART: Rosenquist, Hamilton, Warhol y Rauschenberg.<div><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;">Movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos.Subraya el valor iconográfico de la sociedad de consumo.</span></div><div><div class="MsoNormal"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;"> El término “Pop Art” fue utilizado por primera vez por el crítico holandés Lawrence Alloway en 1958, al definir las obras de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi, entre otros.</span></div><div class="MsoNormal"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;">Otro criterio, Lewis Gennig, puso énfasis en esta denominación hacia 1962 para definir el arte que algunos jóvenes estaban haciendo con el empleo de imágenes populares; de este modo quedó relegado el término Neo – Dada o neodadaísmo para la entonces nueva corriente estética.</span></div><div class="MsoNormal"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;">Se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como avisos publicitarios, cómic book, objetos culturales y del mundo del cine erótico.</span></div><div class="MsoNormal"><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;">Es el resultado de un estilo de vida, una manifestación plástica, una cultura caracterizada por la tecnología, la moda y por el consumo. Donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Es un movimiento artístico que utiliza la técnica de superposición de diferentes elementos: cera, óleo, pintura plástica, etc., con materiales de desecho: fotografías, trapos viejos, collages, assembloges, etc.</span></div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;">Podemos decir que el Pop Art se origina del dadaísmo y la poca importancia que este pone en el objeto final. Toma precisamente de este movimiento artístico, el dadaísmo, el uso del collage y del fotomontaje.</span></div><div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div style="text-align: center;"><span lang="ES-TRAD"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u>Andy Warhol</u></span></span></div><div style="text-align: center;"><span lang="ES-TRAD"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u><b><br />
</b></u></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEho62ZWxG4e3IScyGLB7qJbYH9mnAMwvjaM3leBocm46_AxUajYbM6K7ZrHefb3s1idu8c4lhOhd5gWwCdX2t_oLGuluieTKxZk4K78-oEJKDQhLBZoHIGXxk5BSN3qZe70RxTCi4eIq2M/s1600/andy-warhol1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEho62ZWxG4e3IScyGLB7qJbYH9mnAMwvjaM3leBocm46_AxUajYbM6K7ZrHefb3s1idu8c4lhOhd5gWwCdX2t_oLGuluieTKxZk4K78-oEJKDQhLBZoHIGXxk5BSN3qZe70RxTCi4eIq2M/s400/andy-warhol1.jpg" width="367" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">A</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">ndrew Warhola<span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">(Pittsburg,</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">6 de agosto</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">de</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">1928–</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">New York, 22 de febrero de</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">1987), más comúnmente conocido como</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Andy Warhol, fue un</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">artista plástico</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">y</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">cineasta estaunidense </span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">pop art. Tras una exitosa carrera como</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">ilustrador</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">pintura,</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">cine</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">de</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">vanguardia</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">y</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">En 1949, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker.</span></span></div><div class="biog" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><o:p></o:p></span></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"> </span></div><div class="biog" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.<o:p></o:p></span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"></span><br />
<div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las ya mencionadas latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción. En otras ocasiones, plasmó crudamente situaciones reales, como accidentes, luchas callejeras, funerales o suicidios; dentro de esta temática<span class="apple-converted-space"> </span>Electric chair<span class="apple-converted-space"> </span>es una de sus obras más significativas.</span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u>OBRAS CÉLEBRES. Elizabeth Taylor por Andy Warhol.</u></span></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCZu98S8MS57_zz11s_YkOZOfRmSrsvFGQzeDDwZDKHl2z8GXB2C2BigVdaQhVR2-84UjABFJ8FpKNbNgJFH4V2kzFSTaUXJ28MGRZ_8xOt1PMYfvpvt6_QWIonDI6ft_Kq2jzG5CyspY/s1600/ElizabethTaylorByWarhol.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiCZu98S8MS57_zz11s_YkOZOfRmSrsvFGQzeDDwZDKHl2z8GXB2C2BigVdaQhVR2-84UjABFJ8FpKNbNgJFH4V2kzFSTaUXJ28MGRZ_8xOt1PMYfvpvt6_QWIonDI6ft_Kq2jzG5CyspY/s320/ElizabethTaylorByWarhol.jpg" width="320" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 25px;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small; line-height: 25px;">El retrato de arte contemporáneo fue pintado en 1963 ,se titula "</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small; line-height: 25px;">Liz #5”,</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small; line-height: 25px;"> y constituye un gran homenaje a la actriz con el mejor estilo pop de Warhol incluyendo colores brillantes plasmados sobre seda, como es su costumbre y a pesar de haber sido pintado hace más de 50 años conserva su carácter vanguardista.</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small; line-height: 25px;">El pintor recibía inspiración de Hollywood y todo lo que él encierra, las celebridades, su riqueza y escándalos. De ahí que algunas de sus musas fueran Marilyn Monroe, Jackie Kennedy y la misma Elizabeth Taylor no podría estar excluida de la list.a.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div><span lang="ES-TRAD"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">FUENTES:</span></u></span></div><div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop">http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_pop</a></span></div><div><a href="http://www.arteespana.com/artepop.htm"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://www.arteespana.com/artepop.htm</span></a></div><div><span lang="ES-TRAD" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><a href="http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/warhol.htm">http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/warhol.htm</a></span></div><div><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol</span></a></div><div><a href="http://clasicos.soniquo.com/tag/andy-warhol"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://clasicos.soniquo.com/tag/andy-warhol</span></a><br />
<a href="http://famosos.cinequo.com/retrato-de-elizabeth-taylor-pintado-por-andy-warhol-sera-subastado/935"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">http://famosos.cinequo.com/retrato-de-elizabeth-taylor-pintado-por-andy-warhol-sera-subastado/935</span></a><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Material dado por la docente</span></div><div><br />
</div>sol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-10670406558863686252011-05-02T19:46:00.000-07:002011-05-03T10:43:54.191-07:00SURREALISMO: Douchamp, Ernst, Magritte, Dalí, De chirico, Chagall, Delvaux, entre otros.<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Surgió en Francia, en el año 1924 siglo XX. El surrealismo surge a partir de la teoría de Sigmund Freud, en el descubrimiento del inconsciente. Fue una etapa muy marcada por el estudio de los psiquiatras, la imaginación y lo irreal(sueños); como los fenómenos del subconsciente escapan al dominio de la razón. Se caracterizaba por: pretender crear un hombre nuevo, recurrir ala crueldad y el humor negro con el fin de destruir todo matiz sentimentaloide y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no son de su interés.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del<span class="apple-converted-space"> </span>collage<span class="apple-converted-space"> </span>(el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el<span class="apple-converted-space"> </span>frottage<span class="apple-converted-space"> </span>(dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como<span class="apple-converted-space"> </span>Historia Natural, pintada en<span class="apple-converted-space"> París </span>en 1926.<span class="apple-converted-space"></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada<span class="apple-converted-space"> cadáver exquisito</span>, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">Masson adoptó enseguida las técnicas del</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">automatismo, hacia 1923. Hacia 1929 las abandonó para volver a un estilo cubista. Por su parte Dalí utilizaba más la fijación de imágenes tomadas de los sueños, inventó lo que él mismo llamó</span><span class="apple-converted-space"> </span><i>método paranoico-crítico</i><span class="apple-style-span">, una mezcla entre la técnica de observación de</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">Leonardo da Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos imágenes en un sola configuración.</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">Oscar Domínguez</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">inventó la</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">decalcomanía</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">(aplicar gouache negro sobre un papel el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego se despegan antes de que se sequen).</span></span><br />
<br />
<div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;"><u>René Magritte.</u></span></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;"><u> </u></span><br />
</span></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCzHhFCPAoNf8cIFNwsIoe708HzPayiEEnUWFxDo40EsNcVMDgDcWTCxU4fH_t3Zpkwcc28G-5ZwdhlTv7IPCDse7zZKITeYHqqZ-rKStwExutG3ZH6yG5Vs0BMoQyC2i3Mfu_xPoa-FY/s1600/magrite.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCzHhFCPAoNf8cIFNwsIoe708HzPayiEEnUWFxDo40EsNcVMDgDcWTCxU4fH_t3Zpkwcc28G-5ZwdhlTv7IPCDse7zZKITeYHqqZ-rKStwExutG3ZH6yG5Vs0BMoQyC2i3Mfu_xPoa-FY/s320/magrite.jpg" width="316" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="font-size: small;"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Pintor belga, figura principal del movimiento surrealista. Nació en Lessines y estudió en la Académie Royale des Beaux-Arts, Bruselas. Su primera exposición individual fue en Bruselas en 1927. Para entonces Magritte había ya empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico. Buena muestra de su magnífico hacer es el cuadro La llave de los campos (1936, Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid), expresión francesa que sugiere la liberación de cualquier restricción mental o física. Aparte de elementos fantásticos, exhibía un ingenio mordaz, creando versiones surrealistas de obras famosas, como en su lienzo Madame Récamier de David (1949, colección privada), en la que el famoso retrato de Jacques Louis David es parodiado, al substituir a la mujer por un elaborado ataúd. Murió el 15 de agosto de 1967 en Bruselas.</span></span></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial;"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;"><u>Los Amantes.</u></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial;"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;"><u> </u></span></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-F557UgErTnDO0hKyNnahJCHrkfIe0QtDSl02K7TsVmp-SBW68B_f-IoizlJMgsNB4eYy-oU_VwtREQ_9qwJqCr5lWRDwcZESHQ1nKrmyOP7-vR04xvVmEWMh52x-m1y6a0hUvH863qI/s1600/magritte-amantessol.gif" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black;"><img border="0" height="290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-F557UgErTnDO0hKyNnahJCHrkfIe0QtDSl02K7TsVmp-SBW68B_f-IoizlJMgsNB4eYy-oU_VwtREQ_9qwJqCr5lWRDwcZESHQ1nKrmyOP7-vR04xvVmEWMh52x-m1y6a0hUvH863qI/s400/magritte-amantessol.gif" width="400" /></span></a></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial;"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;"><u> </u></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;"><b><i>Los amantes</i></b> de <b>René Magritte</b> es uno de esos cuadros de los que se dicen que han derramado muchos ríos de tinta. Hoy este tópico habría que actualizarlo y decir que es uno de los cuadros que figura en innumerables blogs.El pintor belga René Magritte, padre de Los Amantes, logra llamar la atención del público por las telas húmedas cubriendo los rostros de los protagonistas y por los colores duros del lienzo. Hay un predominio del granate, azul y negro, destacando el blanco por encima de todos para subrayar el efecto mojado de las telas que los cubren.René Magritte pintó Los Amantes en 1928, dieciséis años después de que su madre se suicidase tirándose al río Sambre. Parece que no, pero esta información es muy importante para entender el significado del cuadro</span>.<span style="font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial;"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;"><u> </u></span></span></span></div><br />
<br />
<u>FUENTES:</u><br />
<br />
<a href="http://www.arteespana.com/surrealismo.htm"><span class="Apple-style-span" style="color: black;">http://www.arteespana.com/surrealismo.htm</span></a><br />
<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo#T.C3.A9cnicas_surrealistas"><span class="Apple-style-span" style="color: black;">http://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo#T.C3.A9cnicas_surrealistas</span></a><br />
<a href="http://www.pucpr.edu/facultad/pperez/101/arte_surrealista.htm"><span class="Apple-style-span" style="color: black;">http://www.pucpr.edu/facultad/pperez/101/arte_surrealista.htm</span></a><br />
<a href="http://pvciesluanco.blogspot.com/2010/02/el-surrealismo.html"><span class="Apple-style-span" style="color: black;">http://pvciesluanco.blogspot.com/2010/02/el-surrealismo.html</span></a><br />
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=300.<br />
http://www.google.com/imgres?imgurl=http://www.openhouseartscollective.com/wp-content/uploads/2011/03/12.jpg&imgrefurl=http://www.openhouseartscollective.com/2009/12/2009&usg=__OY4JkA7aNkwognLtpiKNxckEk0Y=&h=599&w=593&sz=62&hl=es&start=19&zoom=1&tbnid=_tzLChI4uH6ekM:&tbnh=135&tbnw=134&ei=EWq_TbLfO5GusAOquPTRAw&prev=/search%3Fq%3Dmagritte%26um%3D1%26hl%3Des%26lr%3Dlang_es%26sa%3DN%26biw%3D1280%26bih%3D576%26tbs%3Dlr:lang_1es%26tbm%3Disch0%2C2622&um=1&itbs=1&biw=1280&bih=576.<br />
http://revistaatticus.es/2010/03/23/los-amantes-de-rene-magritte-un-amargo-beso.<br />
<br />
Material aportado por la docentesol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-29508336282363888212011-05-02T15:34:00.000-07:002011-05-02T15:34:19.908-07:00ARTE ABSTRACTO: Kandiskijy, Malevich,Klee, Pollock.<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">Arte abstracto</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">es el</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">estilo artístico</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">que enfatiza</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">los aspectos</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">cromáticos,</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">formales</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">y</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">estructurales, acentuando formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">representación</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">figurativa</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">lenguaje visual</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real</span>.</span><span style="line-height: 115%;"> <span class="apple-style-span">La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">imaginería</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligero, parcial o completo. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable</span>.</span> <span class="apple-style-span">El concepto de arte abstracto designa una serie de tendencias en pintura, escultura y artes gráficas, que rechazan la copia o la imitación de todo modelo exterior a la conciencia del artista. Se entiende por arte abstracto aquel que prescinde de toda figuración (espacio real, objetos, paisajes, figuras, seres animados e incluso formas geométricas si se representan como objetos reales, con iluminación y perspectiva); según esta acepción, una obra abstracta no puede hacer referencia a algo exterior a la obra en sí misma, sino que propone una nueva realidad distinta a la natura.</span></span><br />
<br />
<div style="text-align: center;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Jackson Pollock.</span></u></div><div style="text-align: center;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIn4B8vH6nmQXERSmV1tIpkhL4vvU0x7vRvx7RAQaecHKDE_2m1zFtU5oNZxalg0NBpovW6R1tZeq6-RfFTMCN9ketScvJvQjpUDd26RVaDhDNp-et7goY-YklaU14YmVu4j8Jz0Ra1HU/s1600/Jackson-Pollock.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgIn4B8vH6nmQXERSmV1tIpkhL4vvU0x7vRvx7RAQaecHKDE_2m1zFtU5oNZxalg0NBpovW6R1tZeq6-RfFTMCN9ketScvJvQjpUDd26RVaDhDNp-et7goY-YklaU14YmVu4j8Jz0Ra1HU/s400/Jackson-Pollock.jpg" width="370" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="MsoNormal"><br />
</div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 11pt; line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 11pt; line-height: 115%;">Pintor estadounidense, el miembro más destacado del expresionismo abstracto. Nació en Cody, Wyoming y estudió en la Art Students League de Nueva York con Thomas Hart Benton. Estuvo varios años viajando por el país y dibujando. A finales de la década de 1930 y principios de 1940 colaboró en Nueva York en los Proyectos de la Administración para el Federal Art Project (Proyecto de arte federal). Sus primeras obras, en el estilo naturalista de Benton, representan escenas estadounidenses de forma realista. Entre 1943 y 1947 Pollock, influido por el surrealismo, adoptó un estilo más libre y abstracto, como en La loba (1943, Museo de Arte Moderno, Nueva York). A partir de 1947 Pollock evolucionó hacia el expresionismo abstracto, desarrollando la técnica de la action-painting o dripping, consistente en derramar, dejar gotear o lanzar pintura sobre lienzos sin tensar. Mediante este método Pollock realizó esquemas de formas entrelazadas como se observa en los ejemplos Full fathom five y Lucifer (ambas de 1947, Museo de Arte Moderno, Nueva York). También pertenece a esta época Marrón y plata I (1951, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid). A partir de 1950 su estilo cambió de nuevo, retomando la figuración en blanco y negro, dentro de un estilo muy virtuosista. Entre las pinturas de su último periodo destaca Ocean grayness (1953, Museo Salomon R. Guggenheim, Nueva York). Murió el 11 de agosto de 1956 a consecuencia de un accidente de automóvi</span></span></span>l.<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Expresionismo abstracto</span></u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 13px;">.</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif; font-size: 13px; line-height: 18px;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLsp5qyEs_AkX7J8374W0gBoNwb3JBCRgefcq5yvexUw8H3g7fL5qThB0hQ3qkPjraw0BQ5dJFNSd9OeaVby9FSXIKGMnymAoHfqP3Fv5YJRxj5jxGa5ZV85eKb-T_oY9RCbf707eVIiE/s1600/number-8-1949-jackson-pollock-expresionismo-abstracto-custom.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="257" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLsp5qyEs_AkX7J8374W0gBoNwb3JBCRgefcq5yvexUw8H3g7fL5qThB0hQ3qkPjraw0BQ5dJFNSd9OeaVby9FSXIKGMnymAoHfqP3Fv5YJRxj5jxGa5ZV85eKb-T_oY9RCbf707eVIiE/s320/number-8-1949-jackson-pollock-expresionismo-abstracto-custom.jpg" width="320" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 15pt; margin-bottom: 0.0001pt; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span style="font-size: 12pt;">Con Jackson Pollock, la pintura de acción alcanza su punto más alto. Antes de la acción, no hay nada -ni sujeto ni objeto-, ni siquiera un espacio en el que moverse.</span><span style="font-size: 12pt;"><o:p></o:p></span></span></div><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Pollock parte de la nada, de la gota de color que cea sobre la tela. Sus obras abstractas están cargadas de un fuerte Expresionismo, son muy ricas en color y tienen una estructura difícil de entender. Su técnica del dripping (en inglés, goteado) se realiza mediante salpicaduras de color sobre una tela puesta en suelo. De esta manera, deja un cieto margen al azar y, según Pollock, sin azar no hay existencia, ya que el azar es libertad.</span></span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></div><u>FUENTES:</u><br />
<br />
<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto">http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_abstracto</a><br />
<a href="http://www.epdlp.com/pintor.php?id=338">http://www.epdlp.com/pintor.php?id=338</a>sol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-83328178062260630122011-05-02T15:03:00.000-07:002011-05-02T15:15:26.572-07:00FUTURISMO: Boccioni, Carrá, Russolo y Severini.<div class="MsoNoSpacing"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">El</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">futurismo</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">fue el</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">movimiento</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">inicial de las corrientes de</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">vanguardia</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">artística, surgió en Milán Italia </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: 13px; line-height: 18px;"><span class="apple-converted-space"> </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: 13px; line-height: 18px;"><span class="apple-style-span">por</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: 13px; line-height: 18px;"><span class="apple-converted-space"> </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: 13px; line-height: 18px;"><span class="apple-style-span">Filippo Tommaso Marinetti.</span></span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"> </span><span class="apple-style-span">Este movimiento buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">historia del arte. Consideraba como elementos principales a la</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada irreverente. En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo<span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">, Carrá, Boccioni, Balla o Severin</span><b style="font-size: 13px;">i</b></span></span><span class="apple-style-span">.</span> <span class="apple-style-span">Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.</span></span><br />
<o:p></o:p></div><div class="MsoNoSpacing"><span class="apple-style-span"><br />
</span></div><div class="MsoNoSpacing"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><span style="color: black;"><br />
</span></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figur</span></span>a.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNoSpacing"><br />
</div><div class="MsoNoSpacing"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"><o:p></o:p></span></span></div><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; line-height: 115%;">Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.</span><br />
<div style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Gino Severini</span></u></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 115%;"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvh0UYaavWSCPM090P5nb3ISZizL0CHW-ICtK3hvg2k8B1BQRN91qsl7Q02Yp0YjhIfxhHv_6bJz8MefPnpf4rbrBvinW1p3OixT6T3f4_8jM0AJEPtjkostEhN2M0al9mI5WZqBH2imE/s1600/exhibition-el-universo-futurista-artistas-severini.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvh0UYaavWSCPM090P5nb3ISZizL0CHW-ICtK3hvg2k8B1BQRN91qsl7Q02Yp0YjhIfxhHv_6bJz8MefPnpf4rbrBvinW1p3OixT6T3f4_8jM0AJEPtjkostEhN2M0al9mI5WZqBH2imE/s400/exhibition-el-universo-futurista-artistas-severini.jpg" width="305" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">Gi</span><span style="line-height: 115%;">no Severini</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">(Cortona,</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">7 de abril</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">de</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">1883</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">–</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">París,</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">26 de febrero</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">de</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">1966), fue un</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">pintor</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">italiano</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">y uno de los líderes del movimiento</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;">futurista</span><span style="line-height: 115%;">.</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="line-height: 115%;"> </span></span></span><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Tras un período en Roma, donde frecuentó el estudio de G. Balla, de quien aprendió la técnica divisionista, en 1905 marchó a París .Sus pinturas, influenciadas por la fragmentación de la técnica cubista, representan la acción o el movimiento como una turbulenta composición de líneas y formas quebradas, como en su famoso estudio de una bailarina, Jeroglífico dinámico de Bal Tabarin (1912, Museo de Arte Moderno de Nueva York), Expansión de la luz (1912) y Mujer en la ventana (1914), estos dos últimos en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. A partir de 1923 se dedicó principalmente a realizar paneles decorativos y mosaicos para casas privadas e iglesias, en un acercamiento al novecento italiano.</span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span style="line-height: 115%;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">En su libro Del cubismo al clasicismo publicado en 1921 teorizó sobre la necesidad de una vuelta a la figuración basada en la geometría y la proporción. Al trabajar fundamentalmente en París, Severini contribuyó a extender el futurismo fuera de Italia</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: small;">.</span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: 'Times New Roman', serif; font-size: 12pt; line-height: 115%;"><span class="apple-style-span"><br />
</span></span></div><div style="text-align: center;"><span style="line-height: 115%;"><span class="apple-style-span"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Tren Blindado.</span></u></span></span></div><div style="text-align: center;"><span style="line-height: 115%;"><span class="apple-style-span"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5O3KtPG5jKv6lXV4jy7f3BcyMuvGSnaVnmvmvUM2FkDcX9qyqy6tcu5qLebws2LgMhfhjKp6P9ZJUbdZsJRFKKVZepirSsYpcnXiO_Czh-BpiHO87JvIcCdwQnRftX72_aOdRPeNxRAs/s1600/Tren.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5O3KtPG5jKv6lXV4jy7f3BcyMuvGSnaVnmvmvUM2FkDcX9qyqy6tcu5qLebws2LgMhfhjKp6P9ZJUbdZsJRFKKVZepirSsYpcnXiO_Czh-BpiHO87JvIcCdwQnRftX72_aOdRPeNxRAs/s400/Tren.jpg" width="303" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div style="text-align: center;"><span style="line-height: 115%;"><span class="apple-style-span"><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span style="line-height: 115%;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Esta obra se encuentra en el museo MOMA de Nueva York.Tren blindado es un cuadro realizado en la Primera Guerra Mundial realizado por Severini en 1915.El cuadro representa la guerra de Posición, conocida también como guerra de Trincheras, ya que en el cuadro podemos observar las trincheras; los truenos y relámpagos, así como los soldados con sus fusiles representan la gran cantidad de muertes y heridos durante la batalla y todos las desgracias de esta guerra, en la Primera Guerra Mundia.Los ejércitos combatientes mantienen líneas estáticas de fortificaciones cavadas en el suelo y enfrentadas.En esta composición de formato vertical, las fuertes líneas diagonales que se proyectan desde el borde superior del lienzo definen un tren en marcha visto desde arriba. Hay un cañón que sale del tren y dispara, y dentro de la máquina hay soldados armados listos para disparar. El ritmo es creado por las formas repetitivas de los soldados, las líneas diagonales que en ángulos cambiantes se proyectan desde tren, las formas de la vegetación entre la que se mueve la máquina, las formas curvas del humo expulsado por el tren y el cañón y las formas cilíndricas que se repiten alrededor de todo el tren. Es ésta la estética de la máquina, traducida aquí a los ritmos musicales y sensaciones de movimiento con las que los futuristas celebraban guerra.<b> </b></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><br />
</div><u><br />
</u><br />
<u>FUENTES:</u><br />
<br />
<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo">http://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo</a><br />
<a href="http://www.arteespana.com/futurismo.htm">http://www.arteespana.com/futurismo.htm</a><br />
<a href="http://www.google.com/imgres?imgurl=http://www.proa.org/images/exhibition-el-universo-futurista-artistas-severini.jpg&imgrefurl=http://www.proa.org/esp/exhibition-el-universo-futurista-artistas-gino-severini.php%3FkeepThis%3Dtrue%26TB_iframe%3Dtrue%26height%3D550%26width%3D900&usg=__QpZFj7sbfL5nWbTw1zmNPAQ6v6g=&h=464&w=354&sz=37&hl=es&start=15&zoom=1&tbnid=CpFL5dEoyrtb5M:&tbnh=128&tbnw=98&ei=WSe_Taf9Boyltwet9snaBQ&prev=/search%3Fq%3Dgino%2Bseverini%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26biw%3D1600%26bih%3D756%26tbm%3Disch&um=1&itbs=1">http://www.google.com/imgres?imgurl=http://www.proa.org/images/exhibition-el-universo-futurista-artistas-severini.jpg&imgrefurl=http://www.proa.org/esp/exhibition-el-universo-futurista-artistas-gino-severini.php%3FkeepThis%3Dtrue%26TB_iframe%3Dtrue%26height%3D550%26width%3D900&usg=__QpZFj7sbfL5nWbTw1zmNPAQ6v6g=&h=464&w=354&sz=37&hl=es&start=15&zoom=1&tbnid=CpFL5dEoyrtb5M:&tbnh=128&tbnw=98&ei=WSe_Taf9Boyltwet9snaBQ&prev=/search%3Fq%3Dgino%2Bseverini%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26biw%3D1600%26bih%3D756%26tbm%3Disch&um=1&itbs=1</a><br />
<a href="http://tallerdehistoria-araceli.blogspot.com/2011/01/tren-blindado-de-gino-severini1915.html">http://tallerdehistoria-araceli.blogspot.com/2011/01/tren-blindado-de-gino-severini1915.html</a><br />
<a href="http://www.epdlp.com/pintor.php?id=370">http://www.epdlp.com/pintor.php?id=370</a><br />
<a href="http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/severini.htm">http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/severini.htm</a>sol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-14098773560766822712011-04-30T10:23:00.000-07:002011-05-02T15:37:57.879-07:00DADAISMO: Arp, Richter, Janco, Eggeling, Schad, Touber, Duchamp.<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Movimiento artístico surgido en Europa y en Norteamérica. Apareció en Zúrich, Suiza entre 1916 y 1922 como Tristan, Tzara como su fundador. Nace de un deseo de independencia; no reconoce otras teorías. Durante una reunión en Suiza , en 1916, un grupo de jóvenes intelectuales exiliados e inconformistas, contrarios a la Primera Guerra Mundial decidieron construir un movimiento artístico y literario completamente subversivo. <span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;">Dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica.</span>Se distingue por la inclinación hacia lo incierto, a lo terrorífico y a lo fantasioso. Busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tienen una tónica general de rebeldía o destrucción.</span><br />
<div><div style="line-height: 18.0pt; margin-bottom: 6.0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 4.8pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><b>Dadá</b><span class="apple-converted-space"> </span>se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. En el fondo es un antihumanismo entendiendo por<span class="apple-converted-space"> </span>humanismo la tradición anterior, tanto filosófica como artística o literaria.<o:p></o:p></span></div><div style="line-height: 18.0pt; margin-bottom: 6.0pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 4.8pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">El movimiento dadaísta es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Por definición, cuestiona el propio dadaísmo.<o:p></o:p></span></div><div style="margin-bottom: 6pt; margin-left: 0cm; margin-right: 0cm; margin-top: 4.8pt;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18pt;">Se caracterizaba por su negación del arte, su intención rupturista e innovadora, su </span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 24px;">interés</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18pt;"> por promover </span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 24px;">escándalos</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18pt;">, normas, y su defensa de lo irracional. Propugna la libertad del individuo, la espontaneidad y la </span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 24px;">destrucción</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18pt;">. Tiene como fin el expresar el </span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 24px;">rechazo</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18pt;"> de todos los valores sociales y estéticos del </span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 24px;">movimiento</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18pt;">. buscaba dejar impactado al público y causar controversias.</span></span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">Por tanto en su rigor negativo también está contra el</span><span class="apple-converted-space"> modernismo, </span><span class="apple-style-span">modernismo, y las demás vanguardias: el</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">expresionismo, el</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">cubismo, el</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">futurismo y el</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">abstraccionismo acusándolos, en última instancia, de ser sucedáneos de cuanto ha sido destruido o está a punto de serlo. La estética dadá niega la razón, el sentido, la construcción del consciente.</span></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">se utilizó el foto montaje (combinación de textos, imágenes y fotografías recortadas), y el titulo de montador se empleo mas que en el de artista. Se utilizaron dibujos grabado en maderas y acuarelas, los materiales fueron los desechos encontrados en al calle. Técnicas: lienzo al óleo, tapiz, collage, lienzo a la esencia</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">El movimiento dadaísta dejó las revistas y el manifiesto que sin duda son la mejor prueba de sus propuestas pero, por definición, no existe una obra dadá.</span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"> </span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u><b>Marcel Duchamp</b></u></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u><b><br />
</b></u></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_IguDEbS7ry0W1O32SlC7_LciynkqfG_PbH4que2kj1FjExF1KdyF9e8S3XZAljyokR4rBrT4dftahRACYv6p68jBs9fhSHwKRvTkhD1fOhnOb-7eRdroWZQeBmgf_hCyX2Jtord0t1U/s1600/marcel_duchamp.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_IguDEbS7ry0W1O32SlC7_LciynkqfG_PbH4que2kj1FjExF1KdyF9e8S3XZAljyokR4rBrT4dftahRACYv6p68jBs9fhSHwKRvTkhD1fOhnOb-7eRdroWZQeBmgf_hCyX2Jtord0t1U/s400/marcel_duchamp.jpg" width="300" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Artista dadaísta francés, cuya obra ejerció una fuerte influencia en la evolución del arte de vanguardia del siglo XX. Nació el 28 de julio de 1887 en Blainville, y era hermano del artista Raymond Duchamp-Villon y del pintor Jacques Villon. Duchamp comenzó a pintar en 1908. Después de realizar varias obras en la línea del fauvismo, se dedicó a la experimentación y al arte de vanguardia e hizo su obra más famosa, Desnudo bajando una escalera (1912, Museo de Arte de Filadelfia), en la que expresa el movimiento continuo a través de una cadena de figuras cubistas superpuestas. La pintura causó furor en el Armory Show que tuvo lugar en Nueva York en 1913. Después de 1915 pintó muy pocas obras, aunque continuó trabajando hasta 1923 en su obra maestra, Los novios desnudando a la novia (1923, Museo de Arte de Filadelfia), una obra abstracta, conocida también como El gran espejo. Realizada en óleo y alambre sobre espejo, fue recibida con entusiasmo por parte de los surrealistas. En el campo de la escultura fue pionero en dos de las principales innovaciones del siglo XX, el arte cinético y el arte ready-made. Este último consistía simplemente en la combinación o disposición arbitraria de objetos de uso cotidiano, tales como un urinario o un portabotellas, que podían convertirse en arte por deseo del artista. Su Rueda de bicicleta (el original de 1913 se ha perdido, tercera versión de 1951, Museo de Arte Moderno, Nueva York), uno de los primeros ejemplos de arte cinético, estaba montada sobre una banqueta de cocina. Su periodo creativo fue corto y después dejó que fueran otros los que desarrollaran los temas que él había ideado, aunque no fue muy prolífico, su influencia fue crucial para el desarrollo del surrealismo, el dadá y el Pop Art. En 1955 Duchamp se nacionalizó estadounidense.</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><u><b>La Fuente (1917) </b></u></span></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><u><b><br />
</b></u></span></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxe4VKO0BRxDKksDzrsiqudatv0U6sA6Cb9j2iuKy6DlRQDjFwVHwsF28rGFeZUYRqZJb6v4enDjIKGjWLNQJyUeMoeqgkA2_FyvgxPMfcu_n4-n4_Q3kl5ru8wjLq-AC0l2vR8zQmRSs/s1600/1917LaFuente.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxe4VKO0BRxDKksDzrsiqudatv0U6sA6Cb9j2iuKy6DlRQDjFwVHwsF28rGFeZUYRqZJb6v4enDjIKGjWLNQJyUeMoeqgkA2_FyvgxPMfcu_n4-n4_Q3kl5ru8wjLq-AC0l2vR8zQmRSs/s400/1917LaFuente.jpg" width="337" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div><div class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">Presentamos la obra La Fuente de Marcel Duchamp, un urinario masculino de porcelana firmado por R. Mutt y presentada a la primera exposición de la Society of Independient Artists que se inauguró el 9 de Abril de 1917 en Nueva York.</span><o:p></o:p></span></div><span class="apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"></span><br />
<div style="text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">En esta ocasión, Marcel Duchamp toma el objeto tal como es, no realiza ninguna manipulación sobre el mismo y lo coloca para su observación, únicamente cambia la posición, lo gira sobre su parte posterior.</span></span></div></div><div><span class="apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"></span><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span class="apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">Era el máximo ejemplo de aquello que deseaba el artista francés: la desacralización del arte.</span><o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span class="apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Algunos de sus compañeros "vanguardistas" vieron aquello como una provocación, y la obra, contraviniendo los estatutos, no fue admitida. <strong><span style="font-weight: normal;">Duchamp</span></strong>, que estaba en el comité organizador, presentó su dimisión. Este incidente fue bien aprovechado por la facción dadaísta neoyorquina, la cual aireó las virtudes de la obra de <strong><span style="font-weight: normal;">R.Mutt</span></strong><b>,</b> la estrechez de miras de algunos sectores artísticos de la ciudad, y dio las claves para entender el sentido que <strong><span style="font-weight: normal;">Duchamp</span></strong> otorgaba inicialmente a este <span style="border-bottom-color: windowtext; border-bottom-style: none; border-bottom-width: 0cm; border-left-color: windowtext; border-left-style: none; border-left-width: 0cm; border-right-color: windowtext; border-right-style: none; border-right-width: 0cm; border-top-color: windowtext; border-top-style: none; border-top-width: 0cm; padding-bottom: 0cm; padding-left: 0cm; padding-right: 0cm; padding-top: 0cm;">ready-made.</span><o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span class="apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">El urinario se presentaba intacto, pero al <strong><span style="font-weight: normal;">girarlo cuarenta y cinco grados</span></strong>, y al darle un título, adquiría valores completamente inesperados.<o:p></o:p></span></div><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"></span></span><br />
<div style="text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Todo el mundo admite hoy que esta '</span><strong><span style="font-weight: normal;">Fuente</span></strong><b>'</b><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"> fue uno de los gestos más radicales de la historia del arte universal. </span><strong><span style="font-weight: normal;">Nada, después de esto, volvió a ser lo mismo. </span></strong></span></span></div></div><div><br />
</div><div><br />
</div><div><u>FUENTES:</u></div><div><br />
</div><div><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo">http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo</a></div><div><a href="http://www.arteespana.com/dadaismo.htm">http://www.arteespana.com/dadaismo.htm</a></div><div><a href="http://www.google.com.ar/imgres?imgurl=https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXfT1FoTXsVmUAyh2zT_3vtC0DaKKTNwVTaTwHFoCdtkpm7LTNcLRW5SThyUkvMQtKYl0m0CnQXquJ2QSYgPC3yZc9z26ELUYAlZO37HiA6TMLzP9cAClme6RAm9BOyqDTrzYX9dyu0D6Y/s1600/marcel_duchamp.jpg&imgrefurl=http://realmofsoulandart.blogspot.com/2010_12_01_archive.html&usg=__KbXUQ6FHYe8mtR4NUtlX_P1VxNY=&h=495&w=372&sz=32&hl=es&start=32&zoom=1&tbnid=hFmQeZBUGJad4M:&tbnh=130&tbnw=98&ei=gUG8Td7IHsu3tge17oDBBQ&prev=/search%3Fq%3Dmarcel%2BDuchamp%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26biw%3D1024%26bih%3D462%26tbm%3Disch&um=1&itbs=1">http://www.google.com.ar/imgres?imgurl=https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXfT1FoTXsVmUAyh2zT_3vtC0DaKKTNwVTaTwHFoCdtkpm7LTNcLRW5SThyUkvMQtKYl0m0CnQXquJ2QSYgPC3yZc9z26ELUYAlZO37HiA6TMLzP9cAClme6RAm9BOyqDTrzYX9dyu0D6Y/s1600/marcel_duchamp.jpg&imgrefurl=http://realmofsoulandart.blogspot.com/2010_12_01_archive.html&usg=__KbXUQ6FHYe8mtR4NUtlX_P1VxNY=&h=495&w=372&sz=32&hl=es&start=32&zoom=1&tbnid=hFmQeZBUGJad4M:&tbnh=130&tbnw=98&ei=gUG8Td7IHsu3tge17oDBBQ&prev=/search%3Fq%3Dmarcel%2BDuchamp%26um%3D1%26hl%3Des%26sa%3DN%26biw%3D1024%26bih%3D462%26tbm%3Disch&um=1&itbs=1</a></div><div><a href="http://www.epdlp.com/pintor.php?id=235">http://www.epdlp.com/pintor.php?id=235</a></div><div><a href="http://www.elangelcaido.org/creacion/010/010duchamp.html">http://www.elangelcaido.org/creacion/010/010duchamp.html</a></div><div> <a href="http://www.historiadelarte.us/las-vanguardias/marcel-duchamp-fuente.html">http://www.historiadelarte.us/las-vanguardias/marcel-duchamp-fuente.html</a></div><div><a href="http://www.sigojoven.com/grupos/arte_y_cultura_en_movimiento/articulo/la-fuente-de-marcel-duchamp">http://www.sigojoven.com/grupos/arte_y_cultura_en_movimiento/articulo/la-fuente-de-marcel-duchamp</a></div><div><br />
</div><div>Material dado por la docente</div>sol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-42261679588773442782011-04-30T07:48:00.000-07:002011-05-01T07:00:18.488-07:00EXPRESIONISMO: Munch, Roualt, Bruche, Klee, Kandinski<div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Nació en Alemania en contra del naturalismo y fue encabezado por el poeta Georg Trakl en 1920; como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renaciomineto, particularmente en las anquilosadas academias de bellas artes.<o:p></o:p></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Entre sus principios se señalan: la reconstrucción de la realidad, la relación de la expresión literaria con las artes plásticas y la música y la expresión de la angustia del mundo y de la vida a través de novelas y dramas donde se habla de las limitantes socales impuestas a la libertad del hombre; y defienden un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visiónn interior del artista -la "extresión"- frente a la plasmación de la realidad -la "impresión".<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="MsoNormal"><span class="apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual.<o:p></o:p></span><br />
<span class="apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">Con sus</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">colores</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">violentos y su temática de</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">soledad</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">y de</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">miseria, el expresionismo reflejó la amargura</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">Primera Guerra Mundial</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">(1914-1918) y del</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">período de entreguerras</span></span><span class="apple-converted-space"><span style="font-size: 12pt;"> </span></span><span class="apple-style-span"><span style="font-size: 12pt;">(1918-1939).</span></span></span><br />
<span class="apple-style-span"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: 12pt;"><br />
</span></span></div><div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">modernista</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">(Munch),</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">fauvista(Rouault),</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">cubista</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">y</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">futurista</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">(<i>Die Brücke</i>),</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">surrealista</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">(Klee),</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">abstracto</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">(Kandinski).<o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="MsoBodyText"><span class="apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">La obra de arte expresionista presenta una escena dramática, una tragedia interior. De aquí que los personajes que aparecen más que seres humanos concretos reproduzcan tipos. El primitivismo de las esculturas y máscaras de África y Oceanía también supuso para los artistas una gran fu</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">ente de inspiración.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">El expresionismo pretende conmover, para lo cual utiliza la figura y el trazo violento.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Se pintan máscaras y paisajes donde los protagonistas son el agua, el cielo, las masas de vegetación o la simple intención de mostrar el ritmo de los sentimientos.<o:p></o:p></span></div><div class="MsoNormal"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">En sus obras, los expresionistas tergiversan por completo el mundo real, viéndolo tan sólo como pretexto para plasmar sus sentimientos desequilibrados y darles forma objetiva. De ahí su inclinación a lo extraordinariamente grotesco, a mezclar los planos de la representación, a desfigurar los objetos<o:p></o:p></span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">Distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza psicológica y expresiva.</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">Predominan mas los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro.</span><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.</span></span><br />
<span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"><br />
</span></span><br />
<div style="text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: 12pt;"><b><u>Edvard Munch.</u></b></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"><b><u><br />
</u></b></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0VVxb5MLU7fDBPLrGBZR85iUzlLPxLfTtAFrGJH5l1P9S1rRUrgBIHKTY2rbNUwLMUxKDal3CBXTyEAEee5DJlFHU4z8ZzneKauzkNF2wUY8-ZdyfEdUStj_MWRR5jzi2MYa9QrT_iuo/s1600/edvard-munch-700245.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0VVxb5MLU7fDBPLrGBZR85iUzlLPxLfTtAFrGJH5l1P9S1rRUrgBIHKTY2rbNUwLMUxKDal3CBXTyEAEee5DJlFHU4z8ZzneKauzkNF2wUY8-ZdyfEdUStj_MWRR5jzi2MYa9QrT_iuo/s400/edvard-munch-700245.jpeg" width="306" /></span></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="MsoNormal"><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">Pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo. Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863, Munch comenzó a pintar a la edad de 17 años. Una beca estatal, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve periodo de tiempo. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra. Sin inmutarse por la contrariedad, Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del arte expresionista alemán. De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Ésta, junto con el angustioso Niño enfermo (1881-1886, Museo Nacional de Oslo), reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida.</span><span class="apple-style-span"> Todos estos son temas que Munch representó para "liberarse a sí mismo de los demonios".</span><span class="apple-style-span"><o:p></o:p></span></span></div></div><div style="text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"> En 1908 su estado de ansiedad alcanzó tal magnitud que hubo de ser hospitalizado. En 1909 regresó a Noruega. La relativa tranquilidad que dominó su vida desde 1909 en adelante tiene su reflejo artístico en los murales de la Universidad de Oslo (1910-1916) y en el vigoroso y brillante colorido de sus paisajes. Aunque los últimos cuadros no son tan torturadores como sus primeros trabajos, su último autorretrato, Entre el reloj y la cama (1940, Museo Munch de Oslo), marca una vuelta a la introspección de años anteriores. Las numerosas xilografías, aguafuertes y litografías que Munch realizó a lo largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico contemporáneo, un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple, directo y fuerte. Son muy pocos los cuadros de Munch que se conservan fuera de Noruega, entre ellos figura Atardecer<span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">.</span></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Trebuchet MS'; font-size: 12pt;"><br />
</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS';"><b><u>El Grito (1893)</u></b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS';"><b><u><br />
</u></b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="MsoNormal"><div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhw1TPilUiVZCn7y_1Qnrs9RRgSGQzlBvaGGlnWbKmfcIl8HSyR8dnKbx-cATlwapRXZGJkY48zHcxb-FQN3Cdd0dC8P5-aUlDm3vvPIZziCdkn46UuDIF81F3-ntrnzo2QRmFvaiw9KGY/s1600/el-grito-de-edvard-munch.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhw1TPilUiVZCn7y_1Qnrs9RRgSGQzlBvaGGlnWbKmfcIl8HSyR8dnKbx-cATlwapRXZGJkY48zHcxb-FQN3Cdd0dC8P5-aUlDm3vvPIZziCdkn46UuDIF81F3-ntrnzo2QRmFvaiw9KGY/s400/el-grito-de-edvard-munch.jpg" width="313" /></span></a></div></div><div class="MsoNormal"><div style="text-align: center;"><br />
</div></div><div class="MsoNormal"><div style="text-align: center;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">El Grito sería la culminación de este sentimiento trágico de la vida. A partir de ahí exploraría la mente humana sus preocupaciones y emociones.</span></span></div></div><div class="MsoNormal"><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">En primer plano, una persona con las manos en la cabeza emite un grito de angustia que parece transmitirse al entorno, excepto a las dos personas del extremo del puente, ajenas a la situación.<span style="color: #222222;"><o:p></o:p></span></span></div></div><div class="MsoNormal"><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Las gamas son contrastadas, saturadas, sin matizar.<span style="color: #222222;"> </span>Vemos colores fríos y cálidos no compensados. Hay curvas sinuosas que expresan el malestar vital.<span style="color: #222222;"><o:p></o:p></span></span></div></div><div class="MsoNormal"><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Uso predominante de tonalidades irreales que realza sentimiento de sufrimiento.<span style="color: #222222;"><o:p></o:p></span></span></div></div><div style="text-align: center;"><span style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Rasgos deformes del rostro, y un fondo de líneas rectas. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: -webkit-auto;"><span style="font-family: 'Trebuchet MS';"><span style="font-weight: bold;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Times New Roman';"><span class="Apple-style-span" style="font-weight: normal;"><br />
</span></span> </span></span></div><u><br />
</u><br />
<u>FUENTES:</u><br />
<br />
<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo">http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo</a><br />
<a href="http://www.arteespana.com/expresionismo.htm">http://www.arteespana.com/expresionismo.htm</a><br />
<a href="http://www.profesorenlinea.cl/artes/expresionismo.htm">http://www.profesorenlinea.cl/artes/expresionismo.htm</a><br />
<a href="http://www.mipunto.com/temas/3er_trimestre02/expresionismo.html">http://www.mipunto.com/temas/3er_trimestre02/expresionismo.html</a><br />
<a href="http://www.epdlp.com/pintor.php?id=321">http://www.epdlp.com/pintor.php?id=321</a><br />
<br />
<div class="MsoNormal"><a href="http://www.xuletas.es/ficha/el-grito-munch/">http://www.xuletas.es/ficha/el-grito-munch/</a></div><br />
Material aportado por el docentesol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-17534272811735462412011-04-30T06:16:00.000-07:002011-04-30T08:09:57.957-07:00POSTIMPRESIONISMO: Cézanne , Gauguin, Van Gogh<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span">Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de fines del sigle XIX y principios del siglo XX, (entre 1880 y 1905 aproximadamente),como una reaccion contra el Impresionismo y le Neo-Impresionismo.Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry en 1910, con motivo de la </span><span class="Apple-style-span">exposición</span><span class="Apple-style-span"> celebrada en Londres de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vicent Van Gogh. </span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"></span><br />
<div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">Los post- impresionistas continuaron utilizando</span><span class="apple-converted-space"> </span>temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expreción. Reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión muy subjetiva del mundo. Es decir, que su principal diferencia fue que no extresan la realidad, sino que mostraron su propia visión de ella.<span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span"> Supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las personas iluminadas. su trascendencia para la evolución del arte es, si cabe, mayor que la de los pintores impresionistas.</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><br />
</span></span></div><div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">El color se hace representativo y subjetivo, no objetivo. Se representa el color con que se ve el alma de las cosas</span><span class="apple-style-span"><o:p></o:p></span></span></div><div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">El Postimpresionismo es importante en la historia del arte porque abre con sus innovadoras propuestas el camino de la renovación pictórica que trajeron los movimientos artísticos de vanguardia. Movimientos como el Fauvismo, Cubismo o Expresionismo recibieron la influencia de los artistas Postimpresionistas.</span></div><div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">Además de creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el desconsuelo interior, se puede ver que </span>el color se aplica en superficies amplias, con pinceladas sueltas y superpuestas. <span class="apple-style-span">Hay una gran concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos , mas utilizado por Cézanne</span>. <span class="apple-style-span">Se emplean de colores contrastantes para distender y definir los planos y formas. También se observa la utilización de colores puros con gran carga emotiva y modulados (</span>siguen aplicándose colores primarios y complementarios).<span class="apple-style-span">Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.</span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"> Hay un gran </span><span class="apple-style-span"> Interés por lo exótico (por ejemplo Gauguin) y los bajos fondos.</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Calibri;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 15px;"><span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"><span class="apple-style-span"><br />
</span></span></span></span><br />
<div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Calibri;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 15px;"><span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"><span class="apple-style-span"><u><b>Vincent Van Gogh</b></u></span></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Calibri;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 15px;"><span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"><span class="apple-style-span"></span></span></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Calibri;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjKVntIeWy8rPGkvcHY52oCSxQq1CE7hf2_2yuzV8_AipX_ZmJqz8hX62xfDkMxDjBqQu7yL19iK0recpaxWW1LAyOeXtr_T8_iiz28ePz2-Ep1yuEZ6vnjgCpe33GHOs7a-AWoX4RjFo/s1600/vincent-van_gogh.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjKVntIeWy8rPGkvcHY52oCSxQq1CE7hf2_2yuzV8_AipX_ZmJqz8hX62xfDkMxDjBqQu7yL19iK0recpaxWW1LAyOeXtr_T8_iiz28ePz2-Ep1yuEZ6vnjgCpe33GHOs7a-AWoX4RjFo/s320/vincent-van_gogh.jpg" width="243" /></a></span></div><div class="MsoNormal"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div style="text-align: center;"><div style="text-align: -webkit-auto;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span">Pintor postimpresionista holandés. Vivió la mayor parte de su vida en Francia y su obra influyó de forma decisiva en el movimiento expresionista. Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder,. Desde su juventud demostró tener un temperamento fuerte y un carácter difícil que habría de frustrar todo empeño que emprendía. A los 27 años ya había trabajado en una galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica. Sus experiencias como predicador aparecen reflejadas en sus primeras composiciones sobre campesinos, de las cuales la más conocida es la tosca y directa Los comedores de papas (1885, Museo Vincent van Gogh, Amsterdam, Holanda), uno de los diez únicos grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera. Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica. En 1886 fue a París a vivir con su hermano Théo van Gogh, que era marchante de arte, y allí se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos que estaban en pleno desarrollo. Influido por la obra de los impresionistas y por la de los grabadores japoneses como Hiroshige y Hokusai, comenzó a experimentar con las técnicas de la época. Más adelante adoptó los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Camille Pissarro y Georges Seurat. En 1888 dejó París y se trasladó al sur de Francia con la esperanza de atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un Taller del Mediodía. Bajo el sol ardiente de la Provenza, pintó escenas rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vida de la región. </span>Van Gogh pintaba con pinceladas irregulares, líneas románticas entrecortadas, que manifiestan la impaciencia que le producía su exaltación interna. Los colores puros iban depositando su huella sobre el lienzo, trabajados con la mano, con la espátula, con el mango del pincel, o en muchos casos, exprimidos directamente de los tubos.<span class="apple-style-span"> Para él todos los fenómenos visibles, los pintara o los dibujara, parecían estar dotados de una vitalidad física y espiritual. Logró contagiar su entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que había conocido en París, para que fuera a verle a Arles. Menos de dos meses después empezaron a tener violentos enfrentamientos que culminaron en una pelea en la que Van Gogh, fuera de sí, amenazó a Gauguin con una navaja, esa misma noche, sumido en un profundo remordimiento, Van Gogh se cortó parte de la oreja. Estuvo internado durante un tiempo en un hospital de Arles y un año en el manicomio de Saint-Rémy, situado en esa misma región. Durante ese periodo siguió trabajando entre los varios ataques de locura que sufrió. Después de acabar su inquietante Cuervos sobre el trigal (1890, Museo Vincent van Gogh), se disparó un tiro el 27 de julio de 1890 y murió dos días más tarde. Las más de 700 cartas que escribió a su hermano Théo (publicadas en 1911) constituyen un documento extraordinario sobre la vida de un artista y su producción, de una abundancia inusitada, cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos. En 1973 fue inaugurado en Amsterdam el Museo Vincent van Gogh, que contiene más de mil pinturas, dibujos y cartas del artista.</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"><span style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: 12pt;"><br />
</span></span></span></div><div style="text-align: center;"><u><b>CAMPO DE TRIGO CON CIPRES (1889)</b></u></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;"><b><u><br />
</u></b></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmPaPa0m50BG3xeO9hO5txJiKHOqE_4-2Ask06RWCBxT62InFXcSfpttRiezItuphaduTLi6-Zj6B1HkMRvCvw_NvAjRWd7tTo_g9qjj8VCEcvxPuelE64XzI_1FwbzKppYqx0KUpduFk/s1600/van_gogh_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="283" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmPaPa0m50BG3xeO9hO5txJiKHOqE_4-2Ask06RWCBxT62InFXcSfpttRiezItuphaduTLi6-Zj6B1HkMRvCvw_NvAjRWd7tTo_g9qjj8VCEcvxPuelE64XzI_1FwbzKppYqx0KUpduFk/s400/van_gogh_1.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><u><br />
</u></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div class="MsoNormal"><div style="text-align: center;"><span class="etiqueta" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u>Material</u>: Oleo sobre lienzo</span></div></div><div class="MsoNormal"><div style="text-align: center;"><span class="apple-converted-space" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">En la primera semana de julio de 1889 Van Gogh recibe la noticia de que su hermano Theo pronto será padre. Unos días después sufrirá un grave ataque que le apartará de la pintura hasta septiembre. Con esta noticia se elimina el mito de un Van Gogh creador por su locura. Todo lo contrario: cuando Vincent tenía un ataque abandonaba totalmente la creación, temiendo precisamente no poder trabajar ya que pintar era lo más importante para él. Este espléndido lienzo se debió realizar entre la primavera y el mes de julio, mostrándonos uno de los campos de trigo que rodeaban el sanatorio de Saint-Rémy donde estaba internado. La alegría de los tonos empleados quizá sugiera la felicidad por la noticia de ser tío. Los amarillos, malvas y verdes salpicados de rojo y blanco hacen de ésta una de las composiciones más atractivas y relajantes del maestro. El trazo con que se ha aplicado el óleo recuerda a la<span class="apple-converted-space"> Noche estrellada</span><span class="apple-converted-space"> </span>al ser a base de espirales, claramente reconocibles para el espectador que contempla la textura de las pinceladas, como si se tratara de un puzzle. Esas pequeñas pinceladas reciben el nombre de facetas. Van Gogh se inspiró en<span class="apple-converted-space"> Seurat</span><span class="apple-converted-space"> </span>y en la estampa japonesa<span class="apple-converted-space"> </span>para realizarlas, siendo después empleadas por muchos creadores del<span class="apple-converted-space"> Post- Impresionismo</span>, incluso por Picasso.</span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial;"><b><u><br />
</u></b></span></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Calibri;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11pt;"><br />
</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Calibri;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11pt;"><u>FUENTES:</u></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Calibri;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11pt;"><br />
</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Calibri;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11pt;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Posimpresionismo">http://es.wikipedia.org/wiki/Posimpresionismo</a></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Calibri;"><a href="http://tom-historiadelarte.blogspot.com/2007/05/el-postimpresionismo.html">http://tom-historiadelarte.blogspot.com/2007/05/el-postimpresionismo.html</a></span><br />
<a href="http://www.frasesypensamientos.com.ar/historia/postimpresionismo.html">http://www.frasesypensamientos.com.ar/historia/postimpresionismo.html</a><br />
<a href="http://enciclopedia.us.es/index.php/Postimpresionismo">http://enciclopedia.us.es/index.php/Postimpresionismo</a><br />
<a href="http://www.slideshare.net/Sentopalencia/postimpresionismo">http://www.slideshare.net/Sentopalencia/postimpresionismo</a><br />
<a href="http://html.rincondelvago.com/impresionismo-y-postimpresionismo.html">http://html.rincondelvago.com/impresionismo-y-postimpresionismo.html</a><br />
<a href="http://www.epdlp.com/pintor.php?id=396">http://www.epdlp.com/pintor.php?id=396</a><br />
<a href="http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/3348.htm">http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/3348.htm</a><br />
Material aportado por el docentesol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-78288258705304635632011-04-09T09:25:00.000-07:002011-04-09T10:11:48.125-07:00NEOIMPRESIONISMO: Seurat, Signac, Revil,<span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Palabra creada por el crítico francés Félix Fénéon en 1887 para caracterizar el movimiento artístico de fines del siglo XIX liderado por Geroges Seurat y Paul Signac, quienes primero exibieron sus trabajos en 1884 e la muestra de la Société des artistes Indépendants en París. El término de Fénéon señalaba que las raíces de esos desarrollos se situaban en las artes visuales del Impresionismo, pero se ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la línea en la práctica de Seraut y Signac , y el tras fondo teórico de los escritores de Chevreul y Charles Blanc.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<span style="color: lime; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">El neoimpresionismo también es conocido con el nombre de divisionismo y puntillismo. En realidad se trata de un impresionismo radical, en cierta manera disidente, que lleva a las últimas consecuencias las teorías científicas sobre el color y la luz de Michel Eugène Chevreul. Sin embargo, sus cuadros se diferencian netamente del impresionismo clásico. Vuelve a cobrar importancia el dibujo, que se había abandonado a favor de las manchas de color. Las figuras se hacen geométricas. No se mezclan los colores ni en la paleta ni en el cuadro, sino que se aplican unos junto a otros con pinceladas muy cortas: puntos. Sólo usan los colores primarios y el ojo debe hacer la mezcla. El impresionismo se hace consciente de su técnica. Además, estaba siendo aceptado como un nuevo academicismo. Exponen en elSalón de los Independientes, rechazados por la exposición oficial.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"> Los puntillistas vuelven al estudio, ya que sus cuadros requieren una larga elaboración, en ocasiones muy compleja, que no se puede hace en un momento. La obra resultante suele pecar de rigidez y artificialidad. Los temas continúan siendo los típicos del impresionismo, incluso se hace más hincapié en el tiempo de ocio burgués. Como la técnica no permite la espontaneidad, el divisionismo lo practicaron pocos pintores, aunque muchos se interesaron por él.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"> <u><b>Podríamos resumir las características de este movimiento como:</b></u></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><br />
</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">- Preocupación por el volumen.</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><br />
</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">- Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><br />
</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">- Preocupación por el orden y la claridad.</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><br />
</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">- Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><br />
</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">- Aplicación firme del principio de la mezcla óptica: los tonos son divididos o descompuestos en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal.</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><br />
</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">- Utilización de la técnica del </span>puntillismo<span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">: los cuadros son pintados mediante pequeñas pinceladas o punteados de colores puros para así lograr la mezcla óptica.</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><br />
</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">- </span>Predilección<span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"> por asuntos como puertos, orillas de ríos y escenas circenses (</span>Signac<span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">).</span></span><br />
<div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: large;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime; line-height: normal;"><u><b>Georges Seurat</b></u></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: large;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime; line-height: normal;"><u><b><br />
</b></u></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: large;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime; line-height: normal;"><u><b><img src="http://t0.gstatic.com/images?q=tbn:ANd9GcQPN8f4nds9OjORRwpLiT5NhnJIMuSo3mOFmWYud395wtsNsz4z" /></b></u></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: normal;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"> Pintor francés, uno de los máximos representantes del neoimpresionismo. Seurat nació en París, el 2 de diciembre de 1859 y recibió su formación en la Escuela de Bellas Artes. Rechazando el efecto borroso de las pinturas impresionistas, realizadas con pinceladas irregulares, inventó la técnica más científica del puntillismo, en el que las formas sólidas se construyen a partir de la aplicación de muchos pequeños puntos de colores puros sobre un fondo blanco. El revolucionario puntillismo de Seurat encontró muchos seguidores e imitadores. Muchas de las teorías de Seurat referidas a la pintura derivan del estudio de los tratados contemporáneos de óptica. Su tendencia científica se refleja también en sus hábitos de trabajar, que incluían horarios fijos y una meticulosa sistematización de su técnica. En 1884 Seurat acabó Los bañistas (Londres, National Gallery), una escena donde unos jóvenes se bañan en el río Sena, éste fue el primero de seis grandes lienzos que conformaron la mayor parte de su trabajo artístico. En ése y otros trabajos posteriores, continuó la tradición impresionista de mostrar las excursiones y distracciones de los días festivos. Su obra maestra, Un domingo de verano en la Grand Jatte (1884-1886, Instituto de arte de Chicago), representa a los paseantes del domingo de una isla del Sena. La pintura muestra una atmósfera de dignidad monumental a través de un orden equilibrado de sus elementos y los contornos de sus figuras. Las modelos (1888, Colección Barnes de Filadelfia), La parada (1889, Colección de Stephen Clark, Nueva York), El chahut (1889-1891, Museo Kröller-Müller, Otterlo, Holanda) y El circo (1890, París, Museo del Louvre) son otras de las grandes obras de Seurat. </span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 12px; line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial; font-size: x-small; line-height: normal;"><br />
</span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 12px; line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial; font-size: x-small; line-height: normal;"><br />
</span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: large;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: normal;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime; line-height: 15px;"><u>Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, de Georges Pierre Seurat. Se expone en el <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Art_Institute_of_Chicago" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial;" title="Art Institute of Chicago">Art Institute of Chicago</a>.</u></span></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 12px; line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial; font-size: x-small; line-height: normal;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: sans-serif; font-size: 11px; line-height: 15px;"><br />
</span></span></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, Helvetica, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 12px; line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial; font-size: x-small; line-height: normal;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: sans-serif; font-size: 11px; line-height: 15px;"><br />
</span></span></span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><div style="font-family: Arial; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime;"><img height="250" src="http://www.epdlp.com/fotos/seurat2.jpg" width="400" /></span></div><span class="Apple-style-span" style="color: lime;"><br />
</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"><span class="Apple-style-span" style="color: lime; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"></span></span><br />
<div style="line-height: 1.5em; margin-bottom: 0.5em; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0.4em; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">La isla de la Grande Jatte se encuentra en el río <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Sena" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;" title="Sena">Sena</a>, en <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Par%C3%ADs" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;">París</a> , entre <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/La_D%C3%A9fense" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;">La Défense</a> y el suburbio de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Neuilly" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;">Neuilly</a>, dividida por el Pont-de-Levallois.En 1884 era un paisaje bucólico alejado del centro de la ciudad.</span></div><div style="line-height: 1.5em; margin-bottom: 0.5em; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0.4em; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Seurat pasó dos años pintando el cuadro, concentrándose escrupulosamente en el paisaje del parque. Rehizo varias veces el original y completó numerosos <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Boceto" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;" title="Boceto">bocetos</a> y esquemas preliminares. Se sentaba a menudo en los jardines y hacía numerosos bocetos de las distintas figuras a fin de perfeccionarlas. Puso especial cuidado en el uso del <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Color" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;">color</a>, <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Luz" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;">luz</a> y formas.. Fue expuesto por primera vez en la octava <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Exposiciones_impresionistas" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;" title="Exposiciones impresionistas">exposición colectiva del grupo impresionista</a>, en <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1886" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;">188</a>6</span></div><div style="line-height: 1.5em; margin-bottom: 0.5em; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0.4em; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Basado en el estudio de la teoría óptica del color, contrastó puntos minúsculos de color que, a través de la unificación óptica, forman una figura coherente en el ojo del observador. Creía que esta forma de pintura, conocida luego como <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Puntillismo" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;">puntillismo</a>, haría los colores más brillantes y fuertes que pintados a pinceladas. Para hacer la experiencia aún más realista, rodeó el cuadro con una trama de puntos que a su vez limitó con un marco simple de madera clara. de esta forma se lo exhibe aún en el <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Instituto_de_Arte_de_Chicago" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;">Instituto de Arte de Chicago</a>.</span></div><div style="line-height: 1.5em; margin-bottom: 0.5em; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0.4em; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Para este cuadro Seurat empleó el nuevo pigmento <i>"<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Amarillo" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;">Amarillo</a> de <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Zinc" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;">zinc</a>"</i>, más visible en las zonas amarillas iluminadas, pero también en combinación con naranjas y <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Azul" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;" title="Azul">azules</a>. Luego de completada la pintura, el amarillo de zinc se oscureció paulatinamente hasta tonos de marrón, defecto que se apreció ya en vida de Seurat</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">.</span></div><div style="font-family: Arial;"><br />
</div><div style="font-family: Arial;"><br />
</div><div><u><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">FUENTES:</span></u></div><div style="font-family: Arial;"><br />
</div><div style="font-family: Arial;"><a href="http://pastranec.net/arte/sigloxix/neoimpresionismo.htm">http://pastranec.net/arte/sigloxix/neoimpresionismo.htm</a></div><div style="font-family: Arial;"><a href="http://www.epdlp.com/pintor.php?id=369">http://www.epdlp.com/pintor.php?id=369</a></div><div style="font-family: Arial;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Tarde_de_domingo_en_la_isla_de_la_Grande_Jatte">http://es.wikipedia.org/wiki/Tarde_de_domingo_en_la_isla_de_la_Grande_Jatte</a></div><div style="font-family: Arial;">Material aportado por el docente.</div><div style="font-family: Arial;"><br />
</div>sol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-38181307988067330862011-04-08T11:40:00.000-07:002011-04-09T08:17:15.895-07:00IMPRESIONISMO: Monet, Renoir, Dagas, Degas<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;">El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la </span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;">Segunda mitad del siglo </span>XIX<span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;"> en Europa - </span>principal mente<span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;"> en Francia - caracterizado a grandes rasgos, por el intento de plasmar la luz ( la "</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;">impresión visual"), y el instante , sin reparar en la identidad de </span>aquello<span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;"> que la proyectaba. Surge para reemplazar al arte académico.</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;">Es una reacción contra la frialdad académica y el sentimentalismo romántico, es un tipo de realismo que se esfuerza por traducir la visión inmediata del artista. Busca destacar el carácter del ser... o del </span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;">paisa</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;"><span class="text_exposed_show" style="display: inline;">je.</span></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;"><span class="text_exposed_show" style="display: inline;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="text_exposed_show" style="display: inline;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;">Se caracterizaban por su técnica rápida, como de largas pinceladas cargadas de materia pictórica. Con las evoluciones científicas y técnicas se permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente óleo. Practica el divisionismo análogo es decir, nada de contornos formas y objetos diferenciados sino un espolvoreo de manchas coloreadas. Los impresionistas pintaban momentos de luz. Es significativo que eliminen de su paleta el color negro, podemos observar que las sombras no son negras sino coloreadas. Al igual que el blanco puro no existe sino que la luz lo carga de colores matices innumerables. Apuestan por el color puro aunque puede permitirse el mezclados sobre la </span></span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 14px;">superficie del lienzo.</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="-webkit-border-horizontal-spacing: 5px; -webkit-border-vertical-spacing: 5px;"><u><b>El paisaje como tema principal</b>:</u><br />
Es uno de los géneros más fructíferos. El paisaje ofrece un campo donde todos los interes de los impresionistas se ven concentrados: el aire libre, el contacto con la Naturaleza, el encuentro con la Luz. Ésta se verá modificada con el paso del tiempo y los matices colorísticos irán cambiando a medida que avanza el día. Dentro del paisaje, también es frecuente el tema de la representación del agua de la nieve y el hielo. Se aman las superficies en que los reflejos y los matices cromático-lumínicos se hacen infinitos. La aparición de la figura es menos frecuente, y si lo hace es rodeada de paisaje.(Ahora la figura es pretexto para representar el paisaje, mientras que en el Clasicismo había sido a la inversa). Ello no quiere decir que no haya escenas de interior cuyo máximo exponente es <a href="http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/impresionismo/impresionismo_degas.html" style="text-decoration: none;">Degas</a>, al que le preocupan temas como la danza o los caballos, ambos relacionados con la velocidad y la instantánea.</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px;"><br />
</span></span><br />
<div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: large;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 15px;"><u><b>Claude Monet</b></u></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px; line-height: 15px;"><br />
</span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px; line-height: 15px;"><img alt="Claude Monet 1899 Nadar.jpg" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/3/33/Claude_Monet_1899_Nadar.jpg/192px-Claude_Monet_1899_Nadar.jpg" /></span></span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px; line-height: 15px;"><br />
</span></span></div><br />
<div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial; font-size: x-small;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Pintor impresionista francés que llevó a su máxima expresión el estudio de los estados transitorios de la luz natural. Monet nació en París el 14 de noviembre de 1840, aunque pasó la mayor parte de su niñez en Le Havre, donde estudió dibujo en su adolescencia y pintó marinas al aire libre con Eugène Louis Boudin. Hacia 1859 Monet había decidido firmemente comenzar su carrera de artista para lo que pasaba largas temporadas en París. En la década de 1860 se le asoció con el pintor pre-impresionista Édouard Manet y con otros pintores franceses que más tarde formarían la escuela impresionista—Camille Pissarro, Pierre Auguste Renoir y Alfred Sisley. Monet pintaba, trabajando al aire libre, paisajes y escenas de la sociedad burguesa contemporánea, y así comenzó a tener cierto éxito en las exposiciones oficiales. Sin embargo, a medida que su estilo evolucionaba, Monet transgredía con frecuencia los convencionalismos artísticos tradicionales en beneficio de una expresión artística más directa. Sus experimentos al aire libre se hacían cada vez más audaces, buscando la reproducción de la luz del día por medio de una aplicación libre de colores brillantes. De este modo, deliberadamente le dio la espalda a la posibilidad de una carrera exitosa como pintor convencional en la línea del arte oficial. En 1874 Monet y sus colegas decidieron apelar directamente al público mediante la organización de sus propias exposiciones. Se denominaron a sí mismos independientes, aunque la prensa pronto les aplicó burlonamente la etiqueta de impresionistas a causa del aspecto inacabado de sus obras (como una primera impresión) y porque una de las pinturas de Monet llevaba el título Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París). Las composiciones de Monet de este periodo poseen una estructura bastante libre, aplicando el color con cortas y vigorosas pinceladas. Esta técnica viene determinada por la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre a la hora de captar una impresión de la naturaleza. </span></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div style="line-height: 15px; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: normal;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Durante las décadas de 1870 y 1880 Monet refinó su técnica poco a poco, realizando viajes a otros escenarios franceses, especialmente a las costas mediterráneas y atlánticas, con el fin de estudiar los efectos de la luz sobre formas y colores. El deshielo de Vétheuil de 1881 (Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid) es un buen ejemplo de la obra de Monet de esta época. A mediados de la década de 1880 Monet, considerado el dirigente de la escuela impresionista, había alcanzado un reconocimiento importante y una buena posición económica. A pesar de la audacia de su colorido y de la extrema simplicidad de sus composiciones, se le valoró como un maestro de la observación meticulosa, un artista que no sacrificó ni las complejidades reales de la naturaleza ni la intensidad de sus propios sentimientos. En 1890 tuvo la posibilidad de adquirir una propiedad en el pueblo de Giverny, cerca de París, y allí comenzó a construir un nuevo jardín (hoy abierto al público) —un estanque con nenúfares atravesado por un puente japonés colgante con sauces y matas de bambú—. En 1906 comienza a pintar las series del estanque con nenúfares que están expuestas en la Orangerie de París, en el Instituto de Arte de Chicago y en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Durante estos años también trabajó en otras series de pinturas, grupos de obras que representan el mismo tema —álamos, la catedral de Ruán, la estación de Saint-Lazare, el Sena— representando las diferentes luces de las horas del día o en las distintas estaciones del año. Monet continuó pintando, a pesar de que la vista le fallaba, casi hasta el momento de su muerte, ocurrida el 5 de diciembre de 1926 en Giverny. </span></span></div><div style="text-align: center;"><div style="text-align: -webkit-auto;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 15px;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: normal;"><br />
</span></span></div></div><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px; line-height: 15px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial; font-size: x-small; line-height: normal;"><br />
</span></span></span></div><div style="text-align: center;"></div><div style="line-height: normal; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u>El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro</u></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u><br />
</u></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><u> de Monet "Impresión: sol naciente"</u></span></div><div class="separator" style="clear: both; font-family: 'Times New Roman'; font-size: medium; line-height: normal; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; font-family: 'Times New Roman'; line-height: normal; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px;"><br />
</span></div><div class="separator" style="clear: both; font-family: 'Times New Roman'; font-size: medium; line-height: normal; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px;"></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: small; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img height="307" src="http://www.artespain.com/wp-content/uploads/monet-Impression-soleil-levant.jpg" width="400" /></span></div><div class="separator" style="clear: both; font-family: 'Times New Roman'; font-size: medium; line-height: normal; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px;"><br />
</span></div><div style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: medium; line-height: normal; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif;"></span></div><div style="font-family: 'Times New Roman'; font-size: medium; line-height: normal; margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; font-size: 11px; line-height: 15px;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;"><span class="Apple-style-span" style="color: black;">Claude Mone</span>t</a>, <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Impresi%C3%B3n,_sol_naciente" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;" title="Impresión, sol naciente"><i><span class="Apple-style-span" style="color: black;">Impresión: soleil levant</span></i></a>, 1872–1873 (<span class="Apple-style-span" style="color: black;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Par%C3%ADs" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;"><span class="Apple-style-span" style="color: black;">París</span></a>,</span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Marmottan_Monet" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;"><span class="Apple-style-span" style="color: black;">Museo Marmottan Monet</span></a>). Cuadro al que debe su nombre el movimiento.</span></div><br />
<span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"></span><br />
<div style="line-height: 1.5em; margin-bottom: 0.5em; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0.4em; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Su motivo es el puerto de <a class="mw-redirect" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Le_Havre" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; color: #0645ad; text-decoration: none;" title="Le Havre">Le Havre</a> en <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Francia" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; color: #0645ad; text-decoration: none;">Francia</a>, usando muy pocos toques de pincel que sugieren en vez de delinear. Monet explicó posteriormente el título:</span><br />
<div style="font-family: sans-serif; font-size: 13px;"><br />
</div></div><div class="citado" style="margin-bottom: 1em; margin-left: 4em; margin-right: 4em; margin-top: 1em; padding-bottom: 5px; padding-left: 10px; padding-right: 10px; padding-top: 5px;"><div style="background-color: #f9f9f9;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; font-size: 12px;">"El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea , de ahí el título , una impresión que me dio. He reproducido una impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havrem y dije "pongan </span><i style="font-family: sans-serif; font-size: 12px;">impresión</i><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; font-size: 12px;">"</span></div><div style="background-color: #f9f9f9; font-family: sans-serif; font-size: 12px; text-align: right;">Claude Monet<br />
<br />
</div><div style="background-color: #f9f9f9; font-family: sans-serif; font-size: 12px; text-align: right;"><br />
</div><div style="text-align: left;"><div style="background-color: #f9f9f9; line-height: 1.5em; margin-bottom: 0.5em; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0.4em; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">La pintura fue robada del museo Marmottan-Monet en <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1985" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; color: #0645ad; text-decoration: none;">1985</a> y recuperada en 1990. Desde 1991 ha estado de nuevo en exhibición.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></div><div style="line-height: 1.5em; margin-bottom: 0.5em; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0.4em; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: white; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Monet pintó el sol casi con la misma luminancia del cielo, una condición que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este detalle descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La pintura trata el valor de contraste simultáneo de los colores, situando tonos cálidos sobre otros opuestos que permiten resaltar, en la retina del espectador, unos tonos sobre otros. La vaporización será el elemento fundamental que invade la superficie, destacando esa humedad que invade la obra y que atenúa las tonalidades, es decir, el color se condiciona a esta atmósfera húmeda. El principal objetivo al que intentaba llegar Monet con esta obra es provocar una impresión en el espectador, por lo que nos encontramos con la importancia que se atribuye al espectador en el impresionismo. Las pinceladas son un tanto libres, rápidas y directas, reduciendo los elementos del cuandro a una simplificación aparente, tal y como se contempla en los reflejos del agua.</span></div><div style="margin-bottom: 0.5em; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0.4em; text-align: center;"><div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: #f3f3f3; line-height: 18px;"><br />
</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"><span class="apple-style-span">Al artista no le interesa el detalle, como así se aprecia en las barcas negras o en los fondos resueltos con nerviosos trazos grises, sino el instante de una escena en concreto. La sensación de movimiento acuoso se consigue de forma magistral mediante la discontinua plasmación de las pinceladas en la superficie y el reflejo anaranjado solar que evita en todo momento una proyección estrictamente lineal.</span><span class="apple-converted-space"> </span><strong>Impresión, sol naciente</strong><span class="apple-converted-space"> </span><span class="apple-style-span">es una obra calculada que muestra un enorme interés por la llamada teoría del color. Si bien parece que el sol horada la neblina matutina a causa de su intenso color naranja, en realidad posee la misma luminosidad de su entorno.</span></span><span class="apple-converted-space" style="background-color: #f3f3f3;"><span style="color: #666666;"> </span></span></span></span></div></div></div></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px;"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: sans-serif; line-height: 15px;"><br />
</span></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: black; line-height: 15px;"><u><b><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Fuentes</span></b></u><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; font-size: 11px;">:</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; line-height: 15px;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo">http://es.wikipedia.org/wiki/Impresionismo</a></span></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 11px;"><a href="http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/impresionismo/impresionismo.html">http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/impresionismo/impresionismo.html</a></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; font-size: 11px; line-height: 15px;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet">http://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Monet</a></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif;"><a href="http://www.epdlp.com/pintor.php?id=315">http://www.epdlp.com/pintor.php?id=315</a></span><br />
<a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Impresi%C3%B3n,_sol_naciente">http://es.wikipedia.org/wiki/Impresi%C3%B3n,_sol_naciente</a><br />
<a href="http://leiter.wordpress.com/2009/10/20/impresion-sol-naciente-claude-monet/">http://leiter.wordpress.com/2009/10/20/impresion-sol-naciente-claude-monet/</a><br />
Material apartado por el docente.<br />
<span class="Apple-style-span" style="color: #333333; font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="color: black; font-family: sans-serif; font-size: 11px; line-height: 15px;"><br />
</span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: 'lucida grande', tahoma, verdana, arial, sans-serif; font-size: 11px; line-height: 14px;"><span class="text_exposed_show" style="display: inline;"><br />
</span></span>sol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-85288704080313046982011-03-23T12:41:00.000-07:002011-04-09T08:21:34.475-07:00REALISMO: Corot, Courbet, Millet, Rousseau<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;"></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span style="line-height: 115%;">Se desarrolló a partir de la mitad del Siglo XIX, aproximadamente desde 1848</span><span style="line-height: 115%;"><span style="font: normal normal normal 7pt/normal 'Times New Roman';"> . <span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">Su m</span></span></span><span style="line-height: 115%;">áximo esplendor fue en Francia en ese momento</span><br />
<span style="line-height: 115%;"><span style="font: normal normal normal 7pt/normal 'Times New Roman';"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: small;">En este movimiento, los artistas</span> <span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">b</span></span></span><span style="line-height: 115%;">uscan representar el mundo del momento de manera verídica, objetiva e imparcial dejando de lado la idealización.</span><br />
<span style="line-height: 115%;"><span style="font: normal normal normal 7pt/normal 'Times New Roman';"> <span class="Apple-style-span" style="font-size: small;">No vemos</span></span></span><span style="line-height: 115%;"> temas sobre naturales y mágicos, ya que son reemplazados por temas corrientes y la representación de escenas cotidianas. Hay un p</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">rofundo sentido de la naturaleza, interpretándola desde sus frutos hasta el trabajo del hombre sobre ella. Podemos ver una c</span><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;">laridad en la paleta, es decir colores claros, por lo tanto hay poco trabajo del claroscuro</span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: 16px; line-height: 18px;">.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: 16px; line-height: 18px;"><br />
</span><br />
<div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-size: large;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><u>Henri rousseau</u></span></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><br />
</span></span></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlJ26MnqpkIZLJjCitWiRMFCCXQ39zQpUjLNYSeGmpfIWkEUHy066TmM_NcMLjZvhoV1hM27sDDMGKouQx-n-KDTWC7z4e71cFbEqyPIubcKleQmYez7h5VUMccHz0Aj3NwNjPYSWMP5M/s400/henri_rousseau_1.jpg" width="400" /> </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px; margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><br />
</span></div></div><div><div style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Pintor francés conocido como el Aduanero. Artista autodidacta, está considerado uno de los pintores naïfs más notables. Sus colores fuertes, diseños planos y contenidos imaginativos, fueron ensalzados e imitados por los pintores europeos modernos. Nació en Laval, hijo de un hojalatero. Abandonó la enseñanza secundaria para realizar el servicio militar, durante el que estableció contacto con algunos soldados que habían regresado de México después de la campaña francesa en apoyo del emperador Maximiliano, que reinaba en este país. Sus descripciones inspiraron la exuberancia de las intensas escenas de selva que van a constituir el contenido de muchas de las pinturas de Rousseau. Después de licenciarse, obtuvo un empleo en la oficina municipal de recaudación de arbitrios de París, de ahí su apodo, aunque nunca fue aduanero. Al jubilarse en 1885, se dedicó por entero a la pintura. Aunque careció de una formación académica, Rousseau manifestó muy pronto una gran destreza en sus composiciones y en el uso del color. Desde 1886, en que expuso su obra en el Salón de los Independientes, despertó la admiración de los pintores contemporáneos, Paul Gauguin y Georges Seurat. Después de pintar sobre todo retratos y escenas parisinas, comenzó en la década de 1890 a realizar composiciones muy originales, llenas de fantasía. Son los cuadros de su estilo más maduro que representan típicas escenas tropicales con figuras humanas en reposo o en movimiento, junto a bestias misteriosamente encantadas en una quietud activa. El sueño (1910) muestra a una figura desnuda recostada cerca de leones y otros animales feroces, en una selva de colores vivos, llena de enormes plantas. En La gitana dormida (1897), una mujer duerme plácidamente en un desierto mientras un león, con su cola en movimiento, la examina lleno de curiosidad. Estas obras, así como El león en la selva (1904-1906), se conservan en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. </span></div></div><div style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial;"><br />
</span></div><div style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: 'Trebuchet MS', Tahoma, Arial;"><br />
</span></div><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; line-height: 15px;"></span></span><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<center style="text-align: -webkit-auto;"><br />
</center></div><div><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
</div><div><br />
<br />
<br />
<br />
<br />
<center><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; line-height: 15px;"><i><b><u>Moi même-Yo mismo"</u></b></i></span></span></center><center><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; line-height: 15px;"><span class="Apple-style-span">autorretrato de H. Rousseau, <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/1890" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;"><span class="Apple-style-span" style="color: #444444;">1890</span></a></span></span></span></center><center><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-family: sans-serif; line-height: 15px;"><a class="new" href="http://es.wikipedia.org/w/index.php?title=Narodny_Galerie&action=edit&redlink=1" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;" title="Narodny Galerie (aún no redactado)">Narodny Galerie</a><span class="Apple-style-span">, </span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Praga" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;">Praga</a></span></span></center><center><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 15px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-origin: initial;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Praga" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; color: #0645ad; text-decoration: none;"></a></span></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">En este cuadro se puede ver a un Rousseau prolijamente vestido, con una barba muy cuidada y rodeado de símbolos de modernidad, un puente de metal, un barco con las banderas del mundo y la para ese momento recíen inaugurada <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Torre_Eiffel" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; text-decoration: none;"><span class="Apple-style-span" style="color: #444444;">Torre Eiffe</span></a></span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Torre_Eiffel" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; color: #0645ad; font-family: sans-serif; font-size: small; text-decoration: none;">l</a></span></span></center><br />
<div style="margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px;"></div></div><div><div style="margin-bottom: 0px; margin-left: 0px; margin-right: 0px; margin-top: 0px;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: normal;"></span></span></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi53Z6t8Uk47FW0qin2oTCOcD5mBjPpXHS__A_Bew4NhZKmPNbG84YNXsH3IKggrgxinALCd3E2mtxDuknapLFYFKAQXyOai_oIDdDw0vT4shLuzzMHstMMz9Qlqyj8eLxfLGpnC2tCT3o/s1600/el+adua.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi53Z6t8Uk47FW0qin2oTCOcD5mBjPpXHS__A_Bew4NhZKmPNbG84YNXsH3IKggrgxinALCd3E2mtxDuknapLFYFKAQXyOai_oIDdDw0vT4shLuzzMHstMMz9Qlqyj8eLxfLGpnC2tCT3o/s400/el+adua.jpg" width="305" /></a></div><div style="text-align: center;"><br />
<br />
<br />
<br />
<center><br />
</center><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; line-height: 19px;">A pesar de las intenciones "realistas", en la obra de Rousseau destacan el tono poético, la búsqueda de lo exótico y, sobre todo, su <a class="extiw" href="http://en.wikipedia.org/wiki/na%C3%AFve_art" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; padding-bottom: 0px; padding-left: 0px; padding-right: 0px; padding-top: 0px; text-decoration: none;" title="en:naïve art"><span class="Apple-style-span" style="color: #444444;">estilo naíf</span></a>, reflejo de una aparente sensibilidad infantil propia de los artistas con poca o nula formación académica; esta ingenuidad otorga con frecuencia a sus trabajos un aspecto involuntario de caricatura. En el caso del pintor de Laval, es efectivamente su formación autodidacta junto a una primacía de la fantasía sobre lo real lo que determina este estilo, de difícil inclusión en movimientos artísticos de la época. A pesar de desconocer las técnicas compositivas, logró dotar a sus obras de un sugerente y complejo colorido, muy elogiado entre sus seguidores.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; line-height: 19px;">Henri Rousseau dedicaba mucho tiempo a cada uno de sus cuadros, e aquí que su obra sea relativamente escasa.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: sans-serif; font-size: x-small;"><span class="Apple-style-span" style="line-height: 19px;"><br />
</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif; line-height: 19px;"><br />
</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="color: #444444; font-family: Times, 'Times New Roman', serif; line-height: 19px;"><a href="http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=4833">Más pinturas..</a></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br />
</div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: 14px; line-height: 16px;"><br />
</span></span></div><div style="text-align: center;"><div style="text-align: left;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14px; line-height: 16px;"><u>Fuentes:</u> </span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Rousseau">http://es.wikipedia.org/wiki/Henri_Rousseau</a></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><a href="http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=4833">http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=4833</a></div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14px; line-height: 16px;"><br />
</span><br />
<ul></ul>sol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-8358127183028297868.post-41332960906551609552011-03-23T12:37:00.000-07:002011-04-09T08:20:36.413-07:00ROMANTICISMO: Goya, Delacroix, Friedrich, Géricault<div class="MsoListParagraphCxSpFirst" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;"></div><span style="font: normal normal normal 7pt/normal 'Times New Roman';"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Symbol;"> </span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"> </span></span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Surge a principios del Siglo XIX, en donde vemos que hay una reacción contra el espíritu racional e hipercrítico de la Ilustración y el Clasicismo.</span><br />
<div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span style="font: normal normal normal 7pt/normal 'Times New Roman';"> </span>Favorece la supremacía del sentimiento, la tendencia nacionalista, el liberalismo, la originalidad y creatividad frente a lo tradicional y la imitación.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span style="font: normal normal normal 7pt/normal 'Times New Roman';"><span class="Apple-style-span" style="font-size: small;"> Los pintores muestran una </span>t</span>emática de paisajes, animales salvajes y domésticos, pintura costumbrista, la magia y la superstición. Acá<span style="font: normal normal normal 7pt/normal 'Times New Roman';"> l</span>a figura pretende ser realista, no evitar mostrar el sufrimiento, la deformidad, la muerte.<span style="font: normal normal normal 7pt/normal 'Times New Roman';"> </span></span></div><div><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Predominó el óleo, pero también hubo un desarrollo de la acuarela, el dibujo y el grabado.</span><br />
<br />
<ul></ul><div><div class="MsoListParagraph"><a class="image" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:F%C3%A9lix_Nadar_1820-1910_portraits_Eug%C3%A8ne_Delacroix.jpg" style="background-attachment: initial; background-clip: initial; background-color: initial; background-image: none; background-origin: initial; clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-decoration: underline;"><span class="Apple-style-span" style="color: black;"><img alt="Félix Nadar 1820-1910 portraits Eugène Delacroix.jpg" height="344" src="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/62/F%C3%A9lix_Nadar_1820-1910_portraits_Eug%C3%A8ne_Delacroix.jpg/250px-F%C3%A9lix_Nadar_1820-1910_portraits_Eug%C3%A8ne_Delacroix.jpg" style="border-bottom-style: none; border-color: initial; border-left-style: none; border-right-style: none; border-top-style: none; border-width: initial; vertical-align: middle;" width="250" /></span></a><br />
<div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"> </span></span><span class="Apple-style-span" style="color: #7edd66; font-family: Times, 'Times New Roman', serif; font-weight: bold; line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: white; font-size: 13px;"> <u> </u></span><strong><u><span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix" style="color: #4fdd2a; text-decoration: none;"><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Eugène Delacroix</span></a></span></u></strong></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: #7edd66; font-weight: bold; line-height: 18px;"></span><br />
<div class="MsoListParagraph"><span class="Apple-style-span" style="color: #7edd66; font-weight: bold; line-height: 18px;"><br />
</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="color: #7edd66; font-weight: bold; line-height: 18px;"><br />
</span><br />
<div style="font-family: Schoolbell; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="color: #7edd66; font-weight: bold; line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: white; font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Pintor francés cuya obra constituye un gran exponente del romanticismo del siglo XIX y cuya influencia se extendió hasta los impresionistas. Delacroix nació el 26 de abril de 1798 en Charenton-Saint Maurice, y fue discípulo del pintor francés Pierre Guérin. Recibió una formación neoclásica dentro de la escuela del pintor francés Jacques-Louis David, pero su estilo se vio influenciado por el rico colorido y la opulencia de maestros anteriores, como Petrus Paulus Rubens y Pablo Veronés. También absorbió el espíritu de su contemporáneo Théodore Géricault, cuyas primeras obras representan la acción violenta, el amor a la libertad y el romanticismo en ciernes del turbulento periodo postnapoleónico. La carrera artística de Delacroix empezó en 1822 cuando su primer cuadro, Dante y Virgilio en los infiernos (1822, Louvre, París), fue aceptado en el Salón de París. En 1824 obtuvo un gran éxito popular con Las matanzas de Kíos (Louvre), que representa el tema heroico de la lucha de los griegos por la independencia. En 1825 viajó a Inglaterra donde estudió la obra de los pintores ingleses. La influencia de Richard Parkes Bonington, que pintaba con colores brillantes, se manifiesta en obras posteriores de Delacroix como La muerte de Sardanápalo (1827, Louvre). Esta exuberante obra de madurez, de gran colorido, violencia y fastuosidad, muestra a mujeres, esclavos, joyas y telas combinados en una composición delirante, casi orgiástica. El tema del cuadro es la decisión que toma un rey de la antigüedad de destruir sus posesiones (incluidas sus esposas) antes de suicidarse<span class="Apple-style-span" style="font-size: x-small;">. </span></span></span></div><div style="font-family: Schoolbell; text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="color: #7edd66; font-weight: bold; line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Su obra más romántica y tal vez la más influyente es La libertad guiando al pueblo, también conocida como La barricada (1830, Louvre), una glorificación semialegórica de la idea de libertad. Este cuadro, que le valió la Legión de Honor, confirmó la clara división entre la pintura romántica, que resaltaba la importancia del color y el espíritu, y el concurrente neoclasicismo (de cuyo desarrollo Jean Auguste Dominique Ingres fue una de las figuras prominentes), que hacía más hincapié en la importancia del dibujo y en el distanciamiento respecto al tema. Delacroix fue durante toda su vida el pintor romántico más importante de Francia. Un viaje al norte de África en 1832 le proporcionó un amplio repertorio temático que plasmó en más de 100 cuadros de gran sensualidad. Recibió además muchos encargos oficiales para hacer murales y decorar el techo de diversos edificios gubernamentales. Muchas de sus últimas obras, en especial las pinturas de animales, escenas de caza y temas marinos, son excepcionales, pero otras exhiben una cierta aridez en su ejecución y falta de inspiración. También ilustró varias obras de William Shakespeare, Walter Scott y Johann W. von Goethe. La técnica de Delacroix, de grandes contrastes de color, que aplicaba con pequeños golpes de pincel creando un particular efecto de vibración, influyó de forma importante en los impresionistas. También es célebre por sus Diarios, en los que se manifiesta su talento literario y expresa sus opiniones sobre el arte, la política y la vida. Delacroix murió el 13 de agosto de 1863 en París</span><span class="Apple-style-span" style="font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif; font-size: 13px;">.</span></span></span></div></div><div class="MsoNormal" style="font-size: 13px;"><div style="font-family: Schoolbell;"><span class="Apple-style-span" style="color: #7edd66; font-weight: bold; line-height: 18px;"><strong><u><span class="Apple-style-span" style="background-color: white; font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></u></strong></span></div><span class="Apple-style-span" style="color: #7edd66; font-weight: bold; line-height: 18px;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Schoolbell;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: #ea9999;"></span></span></span></div></div><div style="text-align: right;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></span></div><span class="Apple-style-span" style="background-color: white;"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif;"> </span></span></div><div class="MsoNormal"><div style="text-align: center;"><span class="Apple-style-span" style="background-color: white; font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif;"> </span><strong><u><span class="Apple-style-span" style="background-color: white; font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif;">.</span><span class="Apple-style-span" style="background-color: white; font-family: Georgia, 'Times New Roman', serif;">"El mar en los altos de Dieppe" (1852). París.</span></u><span class="Apple-style-span" style="background-color: #ea9999; font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;"><o:p></o:p></span></strong></div><span class="Apple-style-span" style="background-color: #ea9999;"><strong><span style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;"><u><br />
</u></span></strong></span></div><div class="MsoNormal"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtGM_KBj_octqN1WSAKDYt_huDNqQUyXVqAXOoKKFpCbTX_JBVLK5jaQmFEXziGSSFk7LUgkKhyD-kNi7lKO4zoEnvLwMAZtsjKVnM00iS8aAihUnV9bRPjxOfYkBU_PTTShrOy0BoLz8/s1600/delacroix.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span class="Apple-style-span" style="color: black;"><img border="0" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtGM_KBj_octqN1WSAKDYt_huDNqQUyXVqAXOoKKFpCbTX_JBVLK5jaQmFEXziGSSFk7LUgkKhyD-kNi7lKO4zoEnvLwMAZtsjKVnM00iS8aAihUnV9bRPjxOfYkBU_PTTShrOy0BoLz8/s400/delacroix.jpg" width="400" /></span></a></div><strong><span style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;"><br />
</span></strong></div><div class="MsoNormal"><strong><span style="font-family: 'Trebuchet MS', sans-serif;"><br />
</span></strong></div><div class="MsoNormal" style="text-align: center;"><strong><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"> Es sabido que el paisaje fue unos de los temas predilectos de los pintores románticos, porque en la representación de la naturaleza, muchas veces cambiante y tumultuosa, se sintetizaba mucho de la idea de llevar la emoción y los sentimientos al arte. Pero lo que me resulta especialmente atractivo de este autor fue su descubrimiento de que había un tipo de</span><span class="apple-converted-space"> </span><em><span style="border-bottom-color: windowtext; border-bottom-style: none; border-bottom-width: 1pt; border-left-color: windowtext; border-left-style: none; border-left-width: 1pt; border-right-color: windowtext; border-right-style: none; border-right-width: 1pt; border-top-color: windowtext; border-top-style: none; border-top-width: 1pt; padding-bottom: 0cm; padding-left: 0cm; padding-right: 0cm; padding-top: 0cm;">paisaje especial</span></em><span class="apple-style-span">, que no requería más que poner atención en lo que la historia de cada día iba relatando: el paisaje de los seres humanos luchando por la libertad. Casi siglo y medio después de la muerte de Delacroix ese paisaje tan especial sigue igualmente vigente.<o:p></o:p></span></span></strong></div><div class="MsoNormal" style="text-align: center;"><strong><span class="apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><br />
</span></strong></div><strong><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"> </span></strong><br />
<div class="MsoNormal" style="text-align: center;"><strong><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;"><span class="apple-style-span"> <u>Técnica:</u></span> </span><span class="apple-style-span"><span class="Apple-style-span" style="font-family: Times, 'Times New Roman', serif;">Óleo sobre cartón sobre madera</span><o:p></o:p></span></strong><br />
<strong><span class="apple-style-span"><br />
</span></strong><br />
<div style="text-align: left;"><span class="apple-style-span"><u>Fuentes:</u><span class="Apple-style-span" style="font-weight: bold;"> </span></span><a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Romanticismo">http://es.wikipedia.org/wiki/Romanticismo</a></div><div style="text-align: left;"> <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix">http://es.wikipedia.org/wiki/Eug%C3%A8ne_Delacroix</a></div><div style="text-align: left;"> <a href="http://www.epdlp.com/pintor.php?id=228">http://www.epdlp.com/pintor.php?id=228</a></div></div></div></div>sol lassohttp://www.blogger.com/profile/03718048577064491577noreply@blogger.com0